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art KARLSRUHE 13. bis 16. Februar 2020
Eine Veranstaltung der

art box berlin

Strandallee 100, 23669 Timmendorfer Strand
Deutschland
Telefon +49 4532 9753121, +49 151 43201042
info@artboxberlin.com

Hallenplan

art KARLSRUHE 2020 Klassische Moderne und Gegenwartskunst Hallenplan (Halle 1): Stand H1/U06

Geländeplan

art KARLSRUHE 2020 Klassische Moderne und Gegenwartskunst Geländeplan: Halle 1

Ansprechpartner

Siri Erben

Geschäftsführung

Telefon
+49 (0)160 63 30 135

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s.erben@artboxberlin.com

Susanne Wegner

Galerieleitung

Telefon
+49 (0) 160 47 02 121

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Künstlerdetails

Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte, One-Artist-Show

Devin Miles

Obwohl der Begriff "Pop Art" in den 50er Jahren noch als eine Art Schimpfwort durch die Kunstkritik kursierte, ließ sich der Siegeszug der neuen, avantgardistischen und mit visuellen Alltagszitaten spielenden Kunstrichtung schon in den 60er Jahren nicht mehr aufhalten. Heute, mehr als 50 Jahre später, sind die Bilder und Objekte von damals längst zu einem bedeutenden Bestandteil vieler Kunstsammlungen geworden und ihre Motive zugleich zu Ikonen der Moderne avanciert - man denke nur an Andy Warhols Suppendosen, Roy Lichtensteins Comic-Gemälde oder die Flaggen von Jasper Johns.

Und genau in diesen Kanon renommierter Pop Art-Künstler von damals kann sich heutzutage auch der Maler und Graphikdesigner Devin Miles einreihen. In einer unverwechselbaren Symbiose aus ausgeklügeltem Siebdruckverfahren, freier Malerei und Airbrusch Technik schuf er eine ihm eigene Stilrichtung. Devin Miles verwendet bis zu 20 Siebe, um seine künstlerischen Visionen entweder auf gebürstete Aluminiumplatten oder auf Leinwand zu drucken, um die kraftvolle Bildsprache und die strahlende Leuchtkraft seiner Werke in Szene zu setzen. Devin Miles' einzigartige Stilrichtung findet ihren außergewöhlichen Ausdruck in Bildern, die nicht nur Filmstars wie Romy Schneider, Audrey Hepburn oder James Dean zu neuem Leben erwecken, sondern den Betrachtern auch immer mit auf eine faszinierende Reise zu den Metropolen der Welt nimmt oder ihnen die kraftvollen Autos von damals präsentiert. Dabei sind seine Werke nicht nur als Hommage an die Pop Art zu verstehen, die Geschichten aus vergangenen Tagen mit verletzlichen Frauen, starken Helden und gefallenen Diven erzählen, sondern auch als moderne Kunst, die viel Raum für eigene Interpretationen lässt, erzielt durch eine unvergleichliche Text-Bild-Kombination, die ganz neue inhaltliche Dimensionen schafft.

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Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte, One-Artist-Show

David Tollmann

„Ich male!... Ich mach’ das mit Leidenschaft! Ich mach’ das schon mein ganzes Leben lang! Es liegt mir in den Genen!“
Die Geschichte über David Tollmann beginnt mit Emotion und Liebe. Seine persönliche Begeisterung zu Kunst und Ästhetik stehen im Mittelpunkt seiner Handlungen. Jede einzelne seiner Arbeiten entsteht aus dem Affekt heraus, ausgezeichnet durch eine figürliche Malerei von expressiver Farbigkeit.

Geboren wurde David Tollmann 1988 in der niedersächsischen Kleinstadt Sulingen. Als Sohn des erfolgreichen Künstlers Markus Tollmann und als Enkel von Günter Tollmann, einem bedeutenden Maler und Objektkünstler, den eine enge Freundschaft mit Zeitgenossen wie Beuys und Uecker verband, ist er seit seinen Kindertagen tief in der Kunstszene verwurzelt.
Seine Kreativität zeigt sich als bildhafter Ausdruck seiner bewegenden Gedanken - seines Unmutes, seiner Freude, seiner Situation. Es fühlt sich an wie ein Rausch, wie eine Befreiung. Für David Tollmann ist Kunst eine Rüstung, um sich vor der Gesellschaft zu schützen. Anzusehen als humorvolles Spiel mit kubistischen Elementen und Porträts mit ironischen oder emphatischen Gesten sowie ästhetischen Provokationen. Die Idee durch Form, Farbe und Material die Welt zu verbessern, gibt er Malkurse für Kinder und lädt in sein Atelier ein. Kunst anderen zugänglich zu machen und damit seine Identität zu erhalten, ist sein Anspruch.
David Tollmanns Arbeiten werden international ausgestellt. Er lebt und arbeitet in Hannover.

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Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte

David Badia Ferrer

Der spanische Künstler David Badia Ferrer (*1971) ist eine kreative Persönlichkeit. Mit einer unglaublichen Auffassungsgabe schafft er es aufgrund seiner schnellen Lernfähigkeit, Dinge künstlerisch umzusetzen. Seine Art, die Welt um sich herum zu sehen und zu verstehen, unterscheidet sich von anderen Menschen. Seine positive Ausstrahlung führt dazu, jede Situation zu relativieren, seine Persönlichkeit ist ausgesprochen ironisch und extrovertiert. All diese Eigenschaften machen ihn zu einem Künstler mit einer extravaganten Persönlichkeit.

Obwohl er von seinen zeichnerischen Talenten wusste, entschied er sich erst 2015 dazu, diese anzuwenden und herauszufinden, wie weit ihn diese Talente bringen würden. Badia Ferrer widmete sich einem zwei Jahre andauernden, intensiven kreativen Prozess, der zu mehr als 25 großformatigen und farbintensiven Kunstwerken führte. Die explosive Wirkung die von seinen Werken ausgeht, überrascht jeden Betrachter – auch ihn selbst. Er wird oftmals gefragt, woher die Ideen zur Farbgebung und zum Format der großen Kunstwerke kommt, aber er findet keine passenden Worte, um es zu erklären. Vielleicht hat die Antwort damit zu tun, dass er seine künstlerische Seite in Verbindung mit seiner Persönlichkeit zu lange unterdrückt hat: ein positiver, pragmatischer und emotional zurückhaltender Charakter, dem keine künstlerische Ausbildung gegönnt war.

Er verwendet lediglich drei Farben: blau, rot und gelb sowie weiß. Er verbringt viel Zeit damit, die Fotografien intensiv zu studieren, welche er als Vorlage für seine Arbeiten verwendet. Das Studium der Fotos wird mit der Zeichnung seiner Skizzen auf der Leinwand kombiniert. In diesem Prozess wird ein Aktionsplan erstellt, sodass Badia Ferrer, wenn er mit dem Malen beginnt, eine detaillierte Vorstellung davon hat, was er in seinen Werken erreichen möchte. Um sich nicht von Farben im Vorfeld beeinflussen zu lassen, verwendet der Künstler als Vorlage stets Schwarzweißfotografien.

Die vielleicht unbekannteste Eigenschaft von seinen Werken ist jedoch ihr visueller Eindruck in der Dunkelheit. Der Künstler entwickelt das Gemälde für eine gewisse Zeit im Halbdunkel, um den Effekt zu erzielen, dass es sein eigenes Licht zu werfen scheint. Zahlreiche Sammler seiner Gemälde verzichten darum auf künstliche Beleuchtung, um den besonderen Eindruck der Gemälde im natürlichen Licht zu erfahren.

Badia Ferrer ist Amateurgitarrist und schätzt talentierte Musiker. Die Begeisterung für Gitarren und Rock-Musik lässt sich sogar an der Pinselführung seiner Werke ableiten. Er ist fasziniert davon, die Gesichtsausdrücke der Musiker während ihres Spiels einzufangen. Neben der Wahl einer geeigneten Fotografie seines Gemäldes, investiert der Künstler viel Zeit darin, den Charakter des Porträtierten zu durchleuchten, ihn zu verstehen, um ihn dann auf die Leinwand zu projizieren. Die Suche nach dem Speziellen, dem Geheimnisvollen ist es, was Badia Ferrer antreibt, was er seinem fotografisch festgehaltenen Gegenüber entlocken und in Form visueller Effekte auf das Gemälde übertragen will.

Der Künstler hält Graffiti für eine moderne und avantgardistische künstlerische Disziplin, die ein enormes Talent erfordert. Eine künstlerische Disziplin, in der zeitgenössische Künstler Zuflucht finden. Künftig möchte er seine Signatur mithilfe von Graffiti auf seine Werke auftragen. Bis er einen Weg gefunden hat, seine Technik mithilfe von Graffiti auf der Leinwand umzusetzen, wartet er mit einem amüsanten Trick auf. Eine kleine mit Bleistift gezeichnete Figur seiner selbst, die einem Graffiti ähnelt, zeigt den Künstler mit viel Witz bei der Arbeit.

David Badia Ferrer lebt und arbeitet heute auf der Insel Mallorca.

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Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte

Mr. Brainwash

Wohl kein anderer Street Art Künstler hat innerhalb so kurzer Zeit einen so rasanten Aufstieg erlebt wie der gebürtige Franzose Thierry Guetta unter dem Pseudonym Mr. Brainwash. Sein Weg zum erfolgreichsten Künstler der letzten Jahre ist dabei eng verbunden mit dem Namen Banksy und dessen Oscar prämierten Film "Exit Through the Gift Shop".

In dem Film lernt Thierry Guetta bei der Arbeit an einem Dokumentarfilm über die Graffiti-Szene den Street Art Star Banksy kennen, der ihn dazu anregt, unter dem Pseudonym Mr. Brainwash selbst als Künstler aktiv zu werden. Hartnäckig hält sich deshalb das Gerücht, dass es sich bei dem Franzosen Brainwash um eine rein fiktive, von Banksy erdachte Person handelt und die Werke von Banksy selbst erstellt werden. Tatsächlich bezieht sich Mr. Brainwash in seinen Arbeiten immer wieder auf bekannte Motive nicht nur von Banksy.Er spielt mit allen zur Verfügung stehenden Referenzen der Pop Art, kommerzieller Werbung und Street Art. Immer wieder nutzt er in seinen Motiven bekannte Bilder und Personen der Pop Kultur. Madonna selbst ließ durch Mr. Brainwash das stark an Andy Warhol angelehnte Cover für ihr Album "Celebrations" gestalten.

Seine erste Ausstellung "Life is Beautiful" 2008 in den stillgelegten CBS Studios in Los Angeles geriet zum Superlativ. Mehr als 100 Arbeiten und verschiedene Life Performances zogen Kunstliebhaber und Hollywood Stars in Massen an und brachten einen Verkaufserlös von über 1 Million Dollar allein in der ersten Woche. Seitdem gehört Mr. Brainwash zu den umtriebigsten Künstlern seiner Zeit. Ständig neue Shows und Projekte in New York, Los Angeles und Europa sorgen dafür, dass Mr. Brainwash inzwischen selbst zu einem Shootingstar avanciert ist.

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Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte

Mel Ramos

Bei kaum einem anderen Vertreter der Pop Art ist das Œeuvre so intensiv von der Comic-Ästhetik geprägt wie bei Mel Ramos (1935- 2018). Der Sohn portugiesischer Einwanderer begann Anfang der 1960er-Jahre in Kalifornien Figuren wie Batman, Superman oder The Spectre zu malen. Damit distanzierte er sich bewusst vom damals in den USA vorherrschenden Abstrakten Expressionismus.

Ab 1963 kultivierte Ramos dann den Stil, für den er noch heute weltberühmt ist. Er kombinierte Superheldinnen wie Wonder Woman mit Symbolen und Motiven der Konsumkultur, vornehmlich Arrangements aus der Werbung. Seine Protagonistinnen sind meist üppig, sexy und nur leicht bekleidet. Einerseits bedient sich Mel Ramos hier der gängigen Praxis, Produkte, mit Hilfe von aufreizender Sexualität zu verkaufen, andererseits kritisiert er diese aber durch seine Kunst ausdrücklich. Er hält der Gesellschaft also einen Spiegel vor.

Seine „Commercial Pin-Ups“ sollten über Jahrzehnte das Markenzeichen von Mel Ramos bleiben. Die kalkulierte Kritik für seine expliziten Frauendarstellungen ließ natürlich nicht lange auf sich warten. Sie kam zunächst von konservativer, später auch von
feministischer Seite. Bei einer Einzelausstellung im Jahr 1967 wurden Ramos-Bilder sogar von der Kölner Polizei verhängt. Die Ausstellung hatte Arbeiten aus seiner Serie „Animal Paintings“ gezeigt, die Frauen in eindeutigen Posen mit Tieren wie Robben, Kängurus oder Nilpferden kombinierten.
Typisch für Ramos ist es aber auch, die Bilderwelt Alter Meister, vornehmlich aus dem Aktbereich, zu verarbeiten. Dazu ersetzt er die Erotik aus den Gemälden zum Beispiel von Modigliani und Manet oder auch aus antiken Skulpturen durch die offensive Sexualität seiner farbintensiven Pin-Ups.

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Kategorie: Contemporary Art 21, Druckgrafik & Auflagenobjekte

Ferencz Olivier

Schon immer fazinierte Fenecz Olivier (*1962) die fragilen Reste längst vergangener Werbekampagnen auf alten Gebäudefassaden. Über all die Jahre hatten sie nichts von ihrer Wirkung verloren und die Spuren der Zeit machten sie auf eine besondere Art und Weise spannend und einzigartig. Seine Begeisterung am Experimentieren führte schließlich dazu, dass seine unterschiedlichen Arbeiten eine unverwechselbare Handschrift tragen.

Seine ersten Ausstellungen hatte Fernecz Oliver 1982-84 in Südafrika. Während seiner Studienreise nach Italien fand er seine Liebe für die experimentelle Malerei und Spachtelarbeiten nach dem Vorbild alter Fresken.
Erst seit 2003 ist Ferencz Olivier zu 100 % freischaffend tätig.

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Unsere Künstler

Über uns

Galerie-Information

Die innovative, 2013 gegründete „art box berlin“ ist binnen kürzester Zeit zu einer festen Größe der nationalen Kunstszene avanciert. Auf insgesamt 300 Quadratmetern Ausstellungsfläche berühren die beiden exklusiven Galerien im Herzen von Timmendorfer Strand die Seele mit lebendiger wie inspirierender Kunst des späten 20. und 21. Jahrhunderts.

Das abwechslungsreiche internationale Portfolio reicht von Pop Art bis hin zum Neo-Expressionismus, die hochkarätigen Exponate der Künstler umfassen sowohl abstrakte Malereien als auch Fotografien und Skulpturen.

Liebhaber individueller zeitgenössischer Kunst mit hohem Wiedererkennungswert finden hier Werke von Devin Miles, David Tollmann, Armin Mueller-Stahl, Petra Rös-Nickel, James Rizzi und vielen weiteren Künstlern.

Ständig vertretene Künstler:
  • Elvira Bach
  • David Badia Ferrer
  • Werner Berges
  • Mr. Brainwash
  • Romero Britto
  • Terence Carr
  • Axel Crieger
  • Antonio Del Prete
  • Daan Oude Elferink
  • David Gerstein
  • James Francis Gill
  • Guido Häfner
  • Ed Heck
  • Jörg Immendorff
  • Christiane Janssen
  • Andrei Krioukov
  • Markus Lüpertz
  • Heiner Meyer
  • Devin Miles
  • Armin Mueller-Stahl
  • Ferencz Olivier
  • A. R. Penck
  • Mel Ramos
  • James Rizzi
  • Petra Rös-Nickel
  • Alberto Sánchez
  • Jürgen Schmiedekampf
  • Martin Sonnleitner
  • David Spiller
  • David Tollmann
  • Robert Weber
  • Frank Worth

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Unternehmensdaten

Gründungsjahr

2013