sight Galerie und Kunstberatung

Der russisch-deutsche Maler Alexej von Jawlensky (1864-1941) ist ohne Zweifel einer der bedeutendsten europäischen Expressionisten. Das Jahr 1914 wird in der Forschungsliteratur als ein großer biographisch bedingter Bruch gedeutet, der aus dem Maler der expressiven Köpfe den der großen Serien werden ließ. Der Künstler hielt nun über Jahre an einem Thema fest und variierte dieses. Es entstand die Serie der "Variationen", der "Köpfe", der "Gesichter" sowie der "Meditationen". Bei seinen "Abstrakten Köpfen", die ab 1918 entstanden, entfernte er sich zunehmend vom Naturvorbild und überführte individuelle Gesichtszüge in ein geometrisches Vokabular. Auf der Basis eines Grundschemas variierte er jeweils die Farben und vermittelte den Werken dadurch sehr unterschiedlichen Ausdruck. Die Serie wird für Jawlensky zum künstlerischen Prinzip, das in seinem Werk die Funktion eines Katalysators reiner Farbigkeit einnimmt. 

Manfred Binzer (1961) wohnt und arbeitet in Mannheim. Seine Werke erinnern an die Farbfeldmalerei und den abstrakten Expressionismus in Amerika. Wie bereits Helen Frankenthaler malt Binzer in Farbschichten, durch die er das Bild wachsen lässt. Die Ölfarbe wird dünn auf der weißen Leinwand aufgetragen. Das stets sichtbare Weiß bleibt integrale und ganz entscheidende Koordinate im Raum. Als offene und kompakte, manchmal ineinander verwobene Formen, die meist übereinander liegen wie transpartent Papiere oder Folien, schwimmen die Farben auf einem unbestimmt bleibenden, stets weißen Bildgrund. Es ist eine krafvolle Malerei, die sich durch Farbschüttungen und Zufälligkeiten, dann aber auch durch konkretes Eingreifen des Künstlers in den fließenden Prozess bestimmt. Binzer lässt Farbräume entstehen. Trotz der großen Formate scheinen die Werke durch gekonnten Bildaufbau den Raum, in dem sie sich befinden, zu vergrößern. Sie lassen unseren Blick unweigerlich in die Tiefe wandern, die einzelnen Farbebenen ergründen und sich in den Farbwelten oder Farblandschaften verlieren. 

Mit einer One-Artist Show hätte die sight Galerie den Focus auf den Künstler Jan-Ulrich Schmidt gelegt.
Er ist 1976 in Darmstadt geboren, lebt und arbeitet jedoch mittlerweile in der Schweiz. Sein Werk umfasst Malerei, Fotografie, Video und Plastik.
Ihn treibt das Verlangen, hinter die bloße Erscheinung eines Kunstwerkes blicken zu wollen. Ihm geht es um die Farbe, vornehmlich um deren Anteil an der Beschaffenheit eines Gemäldes, an dessen Ausstrahlung, der Stimmung, die es vermittelt, und der Wirkung, die es auf den Betrachter hat. Er bedient sich der Gemälde anderer Künstler. Es sind meist gegenständlich-figurative Arbeiten, darunter Werke von Caravaggio, Caspar David Friedrich, Monet, Picasso oder Jawlensky. Darüber hinaus sind es auch häufig Originalwerke bekannter oder unbekannter Künstler aus privaten Sammlungen, deren Motive und Farben Schmidt zur Übersetzung in ein Farbstreifenbild inspiriert, bei dem sich der Künstler gänzlich von der Gegenständlichkeit löst. Den "Übersetzungen" liegt die jeweilige Analyse der Farben im Ausgangsbild zugrunde. Die herausgefilterten Farben werden von Hand aus den jeweiligen Pigmenten nachgemischt und mittels einer selbst entwickelten Schütttechnik auf die Leinwände gebracht. Diese Technik entspricht einer Version des DRIPPING, das einer amerikanischen Malereitradition entstammt. Hierbei läuft die Farbe die Leinwand hinunter und über ihren unteren Rand hinaus, wo sie deutliche Spuren der Konzentration und Verdickung hinterlässt. Es scheint, als sei die Farbe noch flüssig und wolle weiter aus dem Bild heraustropfen. Dadurch erzeugen die Farbstreifen, trotz aller Statik, die sie vermitteln, den Eindruck, als blieben sie in Bewegung, im Fluss.

Die Farben in seinen Werken entwickeln gemeinsam einen Klang und eine Stimmung. Deutlich wird der Wiedererkennungseffekt zum Ausgangswerk alleine über das verwendete Farbspektrum. Schmidt komponiert die aus dem Ausgangsmotiv extrahierten Farben neu auf der Leinwand. Es entstehen Streifenbilder, deren Größe exakt die Größe des jeweiligen Ausgangsmotivs aufgreift. Die beiden Werke stehen im ständigen Dialog miteinander.

In den neueren Arbeiten collagiert Schmidt auch runde Farbscheiben, die aus getrockneter Farbe hergestellt oder Produkte ausgestanzter Leinwandteile sind. Hier spiegelt sich der Dialog von Strukturhaftigkeit und Strukturlosigkeit, von Ordnung schaffen und Ordnung ignorieren deutlich wider. Wie auch in seinen Streifenbildern geht es um das Dekonstruieren des Bekannten und die Rekonstruktion des alten, jedoch nach neuen Mustern, Regeln und Ordnungen. Trotz ihrer geschichtlichen oder gerade wegen ihrer geschichtlichen Referenzialität nimmt Jan-Ulrich Schmidts Kunst eine autonome, zeitgenössische Position ein. Denn suchten Kunstschaffende wie Jackson Pollock noch nach dem Bruch mit der Historie, um etwas gänzlich Neues zu schaffen, so weiß Jan-Ulrich Schmidt um das Ende der großen Erzählungen und kann - post-postmodern sozusagen - die Kunstgeschichte als Bezugsrahmen nehmen. Die Werke lassen sich auf mehreren Ebenen lesen. Der Vergleich von Vorbild und eigener Interpretation ist reizvoll, da er den Blick auf das vermeintlich Bekannte schärft. Von Nahem betrachtet, überwältigen die Streifenbilder aufgrund der ungebrochenen Intensität der Farben und der Strenge ihrer Linien. Bisweilen werden aus den unterschiedlich hellen und dunklen Farbstreifen dreidimensionale Gebilde, die in der horizontalen Ausgerichtetheit der Bilder an Landschaften erinnern. Bei eindringlicher Betrachtung beginnen die Werke, in Schwingungen zu geraten und scheinen sich nach vorne oder nach hinten auszudehnen. Jan-Ulrich Schmidt kombiniert in seiner Kunst mechanische und handwerkliche Technik, Geist und Geschick, Auge und Verstand und übersetzt die gegenständliche Malerei in eine neue ungegenständliche und ausdrucksstarke Form.

Rupert Eder baut seine Werke mit dem spürbaren Gestus der Pinselführung auf. Die breiten Farbfelder fügen sich häufig aus mehreren nebeneinander gesetzten Pinselstrichen zusammen, die sich an den Eckpunkten oder Überschneidungen überlagern und dort zu neuen Farbmischungen und –wirkungen führen. Der Pinsel wird in ganzer Breite über die Leinwand geführt und bestimmt somit die Dimension der Form. Konkreter (im engsten Sinne des Wortes) kann der Bezug zwischen Arbeitsgerät und Erscheinungsbild der Arbeit kaum definiert werden. Der Künstler führt den Betrachter durch seine Malerei in die Welt der reinen Erscheinungen und will durch die positive Kraft und Energie der Farben sowie der Schwingungen emotionale Reaktionen auslösen.

Ina Holitzka transformiert einen realen Bestand. Bei ihr sind es architektonische Formen und Strukturen, die sie fotografiert und dann dekonstruiert. In Schichten, Überlagerungen und Überschneidungen werden sie anders komponiert. Die Künstlerin lässt Räume neu entstehen und schärft das Bewusstsein für die Ästhetik dort, wo wir sie vielleicht nicht vermuten. Architektur dient Ina Holitzka als unmittelbarer inspirierender Formen-Fundus. Sie baut eine Gegenwelt auf, die der wirklichen Architektur eine fiktive entgegensetzt. Ihr Interesse am Raum gilt seiner materiellen wie auch immateriellen Dimension: gebaute Räume, Zwischen-Räume, Zeit-Räume, Denk-Räume. Auf der ART KARLSRUHE zeigt die Galerie SIGHT aktuelle Werke aus ‚PASSAGE... on-site / vor Ort‘. Das Kunstprojekt basiert auf der fortschreitenden baulichen Veränderung einer Mega-Baustelle. Die verschwindenden und sich überlagernden Schichten der einzelnen Bauabschnitte sind in einem fotografischen Fundus archiviert. Ausgewählte Ansichten transformiert Ina Holitzka mit ihren künstlerischen „Mass-Nahmen“ und überführt sie in eine vielschichtige Bildsprache.

James Francis Gill wurde 1934 in Tahoka, Texas geboren, wo er bis heute lebt und arbeitet. Die Fachliteratur bezeichnet ihn mit Recht als bedeutenden Mitbegründer der Pop-Art. Der in den 60er Jahren hoch angesehene Kunsthändler Felix Landau entdeckte den Künstler und sah in dessen Werk Einflüsse von Klimt, Schiele und Francis Bacon.  Mitte der 60er Jahre wurden die Werke von Gill regelmäßig mit Arbeiten von Edward Hopper, Robert Rauschenberg, Pablo Picasso, Heinz Mack, Alexander Calder, Ernst-Ludwig Kirchner Claes Oldenburg, Jasper Johns und anderen gezeigt. Nach einer Schaffenspause und einem selbst auferlegtem Exil in den 70er Jahren, entwickelt der Künstler sein Werk weiter. Ab 2010 beginnt Gills späte Phase, bei der er sich - im Gegensatz zu den im frühen Werk dominierenden politischen Motiven - wieder konzentriert der Pop-Art zuwendet. Die Arbeiten von James Francis Gill sich in bekannten Museen, Stiftungen und Sammlungen vertreten.  Seine Bilder vermitteln Lebensfreude - sie regen an, elektrisieren, beeindrucken und begeistern. 

Jörg Bach (geb. 1964) studierte freie Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. In vielen Variationen und Größen fertigt er überwiegend Skulpturen aus vierkantigem Stahlblech - darunter Wandobjekte, Boden- und Freiplastiken, naturbelassen, lackiert oder aus poliertem Edelstahl. Dabei oszilliert seine Formsprache zwischen Statik und Gestik. Die Werke bestehen aus Verschlingungen oder Verknotungen - mal kompakt und massiv, mal offen und leicht. Die Windungen berühren sich nur beinahe und erreichen dadurch, trotz der Schwere des verwendeten Materials, Leichtigkeit und Transparenz. Die Skulpturen von Jörg Bach zeugen von seinem großen Verständnis für Raumdimension und seiner Beherrschung im Umgang mit Proportionen. Die Dynamik der Skulptur, die sich wiederum erst aus deren Relation zum Raum ergibt, ermöglicht dem Betrachter eine tiefer gehende Raumerfahrung. Bachs Objekte vereinnahmen aber nicht nur Raum, sie schaffen auch Raum und machen ihn zum Teil ihrer selbst.