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art KARLSRUHE
Eine Veranstaltung der

Rubrecht Severens Fine Arts

Wiesbaden | Maastricht
Niederlande

Standort

  •   Halle 2 / H2/L09

Ansprechpartner

Leander Rubrecht

Büdingenstraße 4-6
65183 Wiesbaden, Deutschland

Telefon
0176-81665031
0611-2052115

E-Mail
post@rubrecht-severens-finearts.com

Marieke Severens

Kapoenstraat 29
6211 KV Maastricht, Niederlande

Telefon
(+31) 6374 03499

E-Mail
post@rubrecht-severens-finearts.com

Unsere Künstler

Künstlerdetails

Kategorie: ContemporaryArt 21

Nina Stoelting (painting, drawing)

Das Thema Struktur zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk der 1966 geborenen Künstlerin. Nach sehr umfassender akademischer Ausbildung und Promotion setzt Nina Stoelting ihren Schwerpunkt heute in der Malerei. Natur und Geschichte, vielfach in Kombination, bilden die gedankliche Grundlage ihrer meist in großen Zyklen ausgeführten Arbeiten und bestimmen die Motivwahl. Technisch virtuos und durch das Material geprägt erfolgt die malerische Umsetzung. Ihre Werke wurden bei zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland sehr erfolgreich vorgestellt und mehrfach mit Preisen ausgezeichnet.

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english:
The theme of structure runs like a thread through the work of the artist, who was born in 1966. After a very comprehensive academic education and doctorate, Nina Stoelting now focuses on painting. Nature and history, often in combination, form the intellectual basis of her works, which are usually executed in large cycles, and determine her choice of motifs. The painterly realisation is technically virtuosic and characterised by the material. Her works have been presented very successfully at numerous exhibitions at home and abroad and have won several prizes.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Dorine van der Ploeg (Collage, work on paper)

Van der Ploeg's work shows the result of a continuous observation of her immediate surroundings. 'As soon as you really start observing your subject, you discover that it is many times more interesting than the image you had constructed of it in your head. ́ In her last 'trees' series, she uses 10 collages to record her findings with regard to her subject – always the same group of trees – within the time that almost visibly passes.

In preparation for her solo exhibition in Museum Valkenburg (summer 2019), van der Ploeg returned to Limburg (NL) where she has lived and worked ever since.

Her work can be seen at Galerie PontArte (Maastricht), Galerie Mokum (Amsterdam) and Lazzaro Gallery (Genoa) and was included in the DELA art collection.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Marc Prat (painting)

Painter and engraver, Marc defines his painting as figurative-abstract, in which there is a direct and constant reference to architecture and symbolism.

He started painting when he was 24 years old, and had his first public exhibition in 2001, six years later. Besides being an artist, he is a musician, playing the double-bass and the bass guitar, and he had also worked as photographer, journalist and professor throughout his career.
An important artistic influence in his life is the painting of his mother, Rosa Codina-Esteve. Fine arts professor at University of Barcelona, she taught him the basis of art. His artistic universe derives from his mother’s, and the two are evolving in parallel.

The constant source of inspiration for Marc are the landscapes projected in his mind, either physical or imaginary, and he always tries to convey them in his paintings.

The ideal place to display his art would be a wide space, having a neutral tone and a good lightning, so that the viewers can enjoy his paintings.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Marta & Slava | projects

Die kulturelle Position des Künstlerduos Marta Volkova und Slava Shevelenko wird durch ihre russische Herkunft, ihr politisches und soziales Engagement, ihren Humor und ihre Professionalität bestimmt.

Das Oeuvre von Marta und Slava nimmt einen wichtigen Platz in der Komplexität der zeitgenössischen Gesellschaft ein. Seit 2017, dem Jahr, in dem Donald Trump zum amerikanischen Präsidenten gewählt wurde (aber eigentlich schon früher: nach Wikileaks), ist jedem bewusst geworden, dass die Wahrhaftigkeit, mit der sich die Geschichte für den Einzelnen entfaltet, äußerst prekär ist.

In der Vergangenheit waren die Menschen im Westen erstaunt, mit welcher Leichtigkeit die verlogenen Diktaturen im Ostblock, in der Sowjetunion und in China die damals aktuellen Medien nutzten, um ihre ganz eigene Version der Geschichte zu vermitteln. Diktaturen, die zu einem wichtigen Teil der persönlichen Geschichte von Marta und Slava beigetragen haben.

Diese öffentliche Fassungslosigkeit hat sich inzwischen zu einer Art allgemein gültiger Realität entwickelt. Eine Art empörte Akzeptanz.

In diesem Kontext spielen die Werke von Marta und Slava ein schamloses Spiel aus Fakten und Fiktion, mit dem sie eine "offizielle" Geschichte inszenieren und diese dann mit ihrer persönlichen Geschichte verflechten. Mit Humor machen sie dem Publikum klar, dass Geschichte ein überschaubares Phänomen ist und für diejenigen gilt, die sie glauben wollen. Dieser Humor - der sich vor allem in sprachlichen Elementen ausdrückt - macht diese Wissenschaft erträglich, aber die Empörung ist nicht weniger groß.

In einer solchen Situation ist es die Autobiographie, die persönliche Geschichte, die bleibt.

Darüber hinaus basiert das Werk auf der professionellen Art und Weise, in der beide Künstler an der St. Petersburger Akademie ausgebildet wurden. Die Fähigkeit, verschiedene Stilelemente aus der Kunstgeschichte mit aktuelleren Elementen der zeitgenössischen visuellen Kultur zu kombinieren, unterstützt das Lächeln, den Humor, zeigt aber auch eine wunderbare Mischung aus Akademismus versus Autonomie, Originalität versus Kopie, Authentizität versus Zynismus, Kunstgeschichte versus politische Realität.

Alles in allem sind Marta und Slava geschickte, kritische und kluge Geschichtenerzähler in einer Zeit, in der das Geschichtenerzählen von Manipulation, Trick und Täuschung dominiert wird. Es scheint kaum noch um die ursprüngliche Phantasie zu gehen, die Geschichten haben können. Ihre Arbeit führt uns zurück zu dem Wunder, das uns ergreift, wenn wir uns der Versuchung der Geschichte völlig hingeben können, ohne den Gedanken, dass wir betrogen werden.

Text: Erik de Jong, Leiter der Abteilung Bildende Kunst, MAFAD (Maastricht Academy of Fine Arts and Design).

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english:

The cultural position of the artist duo Marta Volkova and Slava Shevelenko is determined by their Russian origin, their political social commitment, humor and professionalism.

The oeuvre of Marta and Slava occupies an important place in the complexity of contemporary society. Since 2017, the year in which Donald Trump was elected President of America (but actually earlier: after Wikileaks), everyone has become aware that the truthfulness with which history unfolds to the individual is extremely precarious.

In the past, people in the West were amazed at the ease with which lying dictatorships in the Eastern bloc, the Soviet Union and China used the then current media to communicate their own unique version of history. Dictatures that have contributed to an important part of the personal history of Marta and Slava.

This public bewilderment has since evolved into a kind of generally applicable reality. A kind of indignant acceptance.

Within this context, the works of Marta and Slava play a shameless game of fact and fiction with which they stage an “official” history and then intertwine it with their personal history. They use humor to make it clear to the public that history is a manageable phenomenon and applies to those who want to believe it. That humor – which is mainly expressed by language elements – makes that science bearable, but the indignation is no less great.

In such a situation it is the autobiography, the personal history that remains.

In addition, the work is based on the professional way in which both artists were trained at the St. Petersburg Academy. The ability to combine different style elements from art history with more contemporary elements from contemporary visual culture supports the smile, the humor, but also shows a wonderful mix of academism versus autonomy, originality versus copy, authenticity versus cynicism, art history versus political reality.

All in all, Marta and Slava are skilled, critical and clever storytellers in a time when storytelling has become dominated by manipulation, trickery and deception. It hardly seems to be about the original imagination that stories can have. Their work takes us back to the wonder that takes hold of us when we can fully surrender to the temptation of the story without the idea that we are being cheated

Text: Erik de Jong, head of fine arts, MAFAD (Maastricht Academy of Fine Arts and Design).

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Gábor Török (Bildhauer, sculpture)

Den 1952 in Budapest geborenen Künstler Gábor Török faszinieren Fragen des Raums – auch sein bewegtes Leben ist von Grenzüberschreitungen geprägt, seien es Länder, Disziplinen oder Kunstsparten. Seit Jahrzehnten belegen zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland sein künstlerisches Werk, das sich vielfach auch im öffentlichen Bereich und namhaften Sammlungen befindet.
Als Bildhauer ist eines seiner Kennzeichen der meisterhafter Umgang mit dem Material, das seinen Händen zu weichen scheint. Sämtliche seiner Skulpturen bestechen durch das Spannungsfeld, das sich aus Bewegung auf der einen und Geometrie auf der anderen Seite bildet. Unabhängig vom Material lässt sich dieses Prinzip in allen Arbeiten wieder finden. Schwerpunkte liegen einerseits in der Arbeit mit Bronze, Naturstein und Stahl, andererseits aber auch in architektonischen Konzepten, in denen sich Töröks umfassende Denkweise widerspiegelt.

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english:
The artist Gábor Török, born in Budapest in 1952, is fascinated by questions of space - his eventful life has also been marked by transgressions of borders, be it countries, disciplines or art forms. For decades, numerous exhibitions at home and abroad have provided evidence of his artistic work, many of which are also in the public domain and in renowned collections.

As a sculptor, one of his hallmarks is his masterful handling of the material, which seems to give way to his hands. All of his sculptures are captivating because of the field of tension formed by movement on the one hand and geometry on the other. Regardless of the material, this principle can be found in all his works. On the one hand, the focus is on the work with bronze, natural stone and steel, but on the other hand also on architectural concepts, in which Török's comprehensive way of thinking is reflected.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Lena Krashevka (painting)

Die 1988 in Belarus geborene Künstlerin absolvierte von 2008-2014 ihr Studium mit Abschluss an der Belarussichen Staatlichen Kunstakademie (Belarusian State Academy of Arts). Seit 2015 lebt und arbeitet Krashevka in Köln.

Das Schaffen der Künstlerin Lena Krashevka stellt eine Schnittstelle zwischen klassischer Malerei und zeitgenössischer Kunst dar. Inspiriert durch das Gefühl eine Frau zu sein, setzt sie in ihren Gemälden einerseits die weibliche Schönheit und Sinnlichkeit in Szene, exploriert jedoch gleichermaßen menschliche Emotionen im Allgemeinen.

Taucht man tiefer in die Werke Krashevkas ein, so wird deutlich, dass die äußerliche Ästhetik und Sinnlichkeit, welche die Protagonistinnen der Gemälde ausstrahlen, das ihnen innewohnende emotionale Stimmungsbild verzerren. Es entsteht eine dynamische Interaktion zwischen Werk und Betrachter, in der die Künstlerin sowohl die Diskrepanz zwischen der Wahrnehmung des Menschen und der Subjektivität des Gegenübers als auch das Entfremdungsgefühl des Individuums reflektiert. Diese Diskrepanz zeigt sich besonders eindrucksvoll in Krashevkas Malstil. Während ihre Portraits mit adäquaten Kompositionen, sorgfältigen Proportionen und der Konstruktion von Licht und Schatten allen Regeln der akademischen Malerei folgen, stören zeitgleich abrupte Farbstriche, energisch-intensive Farbspritzer und Texturen sowie andere Elemente die vermeintliche Idylle. Die Künstlerin ermöglicht es somit dem Betrachter, Ästhetik zwar zu erkennen, hindert jedoch zeitgleich daran, diese ohne die Projizierung eigener Vorstellungen vollends wahrzunehmen. Das dadurch entstehende Ungleichgewicht in der Interaktion rückt die eigentliche Stimmung der Protagonistinnen in den Hintergrund und spricht ihnen somit ihre Subjektivität ab.

Der Umgang mit dieser Thematik zieht sich als Leitmotiv durch das Schaffen Lena Krashevkas. Übergeordnete, meist abstrakte Begriffe definieren verschiedene Serien, in welchen die Künstlerin zwar divergierende Elemente verwendet, in der Quintessenz des Werkes aber zum selben Schluss kommt.

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english:
Born in Belarus in 1988, the artist graduated from the Belarusian State Academy of Arts from 2008-2014. Krashevka has lived and worked in Cologne since 2015.

The work of the artist Lena Krashevka represents an interface between classical painting and contemporary art. Inspired by the feeling of being a woman, her paintings stage female beauty and sensuality on the one hand, but equally explore human emotions in general.

Delving deeper into Krashevka's works, it becomes clear that the outward aesthetics and sensuality exuded by the paintings' protagonists distort their inherent emotional mood. A dynamic interaction develops between the work and the viewer, in which the artist reflects both the discrepancy between the perception of the human being and the subjectivity of the counterpart and the individual's sense of alienation. This discrepancy is particularly impressive in Krashevka's painting style. While her portraits follow all the rules of academic painting with adequate compositions, careful proportions and the construction of light and shadow, at the same time abrupt strokes of colour, energetically intense splashes of paint and textures as well as other elements disturb the supposed idyll. The artist thus enables the viewer to recognise aesthetics, but at the same time prevents him from fully perceiving them without projecting his own ideas. The resulting imbalance in the interaction pushes the actual mood of the protagonists into the background and thus denies them their subjectivity.

This theme is a leitmotif throughout Lena Krashevka's work. Superordinate, mostly abstract concepts define various series in which the artist uses divergent elements, but comes to the same conclusion in the quintessence of the work.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Stefan Faas (Bildhauer, sculpture)

Der 1963 in Pforzheim geborene Bildhauer Stefan Faas absolvierte von 1980-1982 die Ausbildung zum Kunstschlosser und Kunstschmied. 1986 schloss er seine Meisterprüfung in Stuttgart ab. Darauf folgte von 1987-1991 das Studium an der Hochschule für Gestaltung in Pforzheim. Faas ist seit 1991 freischaffender Künstler.

Als Bildhauer befasst sich Faas mit der künstlerischen Gestaltung von Stahl durch schmiedetechnische Verformung. Die hochpolierten Oberflächen seiner Skulpturen lassen den Betrachter und seine Umgebung Teil des Werkes werden. Über die optische Dimension hinausgehend, involviert Faas den Betrachter in eine Reflexion über das eigene Ich und das Verhältnis zwischen Individuum und Gesellschaft.

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english:
Born in Pforzheim in 1963, the sculptor Stefan Faas trained as a metalworker and blacksmith from 1980-1982. In 1986 he completed his master craftsman's examination in Stuttgart. This was followed by studies at the Hochschule für Gestaltung in Pforzheim from 1987-1991. Faas has been a freelance artist since 1991.

As a sculptor, Faas is concerned with the artistic shaping of steel through forging. The highly polished surfaces of his sculptures allow the viewer and his surroundings to become part of the work. Going beyond the optical dimension, Faas involves the viewer in a reflection on the self and the relationship between the individual and society.

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Manfred Maria Rubrecht (painting, sculpture)

Der in Schlüchtern bei Hanau 1945 geborene Maler und Bildhauer absolvierte 1959-63 eine Ausbildung zum Farblithografen. Darauf folgte 1965 das Studium an der Zeichenakademie in Hanau und von 1967-69 ein freies Studium der Malerei bei Prof. Walter Hergenhahn an der Städelabendschule in Frankfurt am Main. 1995 gründete MMRubrecht die Produzentengalerie KUNSTRAUM69 in Hanau und ist 1998 Initiator der Großauheimer KUNSTstationen, welche letztes Jahr ihr 25-jähriges bestehen feierte.

Die Bildsprache von Manfred Maria Rubrecht ist der Mensch.
Die Bildsprache von Manfred Maria Rubrecht ist der Mensch, den er gerne durch die humoristische - kritische Brille abbildet. Er interpretiert den Menschen, bildet ihn nicht nur ab; so entstehen Porträt-Serien die zeitbezogene Themen bearbeiten und malerische Aspekte auf das Wesentliche reduzieren können. Seine „Porträts“ sind eine Reflektion über das unterschiedliche Stimmungsbild des Menschen, die Zeit und die Kunst. Darstellungen von Emotionen wie Freude, Begeisterung, Angst, Verzweiflung oder Gleichgültigkeit in den Gesichtern bestimmen zusehens sein Werk. Immer häufiger drückt er diese Empfindungen in Form der Selbstporträts aus. Aber auch vor dem Fremdporträt macht diese Darstellungsform nicht halt. Teilweise entstanden ganze Serien von Konterfeis. Die Grimasse und Maskerade werden zum Faible. Damit befindet sich Manfred Maria Rubrecht in allerbester Künstlergesellschaft, die von Rembrandt als Orientale, Lovis Corinth in Ritterrüstung, Beckmann als Christus oder Clown, Kirchner als Trinker, bis zur Gegenwartskunst reicht.

MENSCH.NATUR
Umweltschutz und ökologisches Handeln sind seit Jahren Dauerbrenner-Themen. Ein Anliegen, welches MMRubrecht in den letzten 10 Jahren sehr beschäftigte und dies seit 2016 in eine neue Serie mündete: MENSCH.NATUR. Was ist für den Menschen Umwelt, was Natur oder Kultur? Die Serie „Mensch.Natur“ geht dieser Frage nach. Der Künstler Manfred Maria Rubrecht drückt in seiner Malerei die Sehnsüchte der Menschen nach der Natur aus, auf deren Ästhetik er den Blick der Betrachtenden lenkt. Mit sattgrünen Wiesenlandschaften, fulminanten Alpenpanoramen oder mit einer Momentaufnahme des fleißigen Treibens von Wildbienen verführt er uns neu in unsere Welt.

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english:
Born in Schlüchtern near Hanau in 1945, the painter and sculptor trained as a colour lithographer from 1959-63. This was followed in 1965 by studies at the drawing academy in Hanau and from 1967-69 by independent studies in painting with Prof. Walter Hergenhahn at the Städelabendschule in Frankfurt am Main. In 1995 MMRubrecht founded the producer gallery KUNSTRAUM69 in Hanau and in 1998 was the initiator of the Großauheim KUNSTstationen, which celebrated its 25th anniversary last year.

Manfred Maria Rubrecht's visual language is the human being.
Manfred Maria Rubrecht's visual language is the human being, whom he likes to portray through humorous - critical glasses. He interprets people, not just depicts them; this is how he creates portrait series that deal with contemporary themes and can reduce painterly aspects to the essentials. His "portraits" are a reflection on the different moods of people, time and art. Depictions of emotions such as joy, enthusiasm, fear, despair or indifference in the faces increasingly determine his work. More and more often he expresses these feelings in the form of self-portraits. But this form of representation does not stop at the portrait of others either. In some cases, he created entire series of portraits. The grimace and the masquerade became a weakness. Manfred Maria Rubrecht is thus in the very best company of artists, ranging from Rembrandt as Oriental, Lovis Corinth in knight's armour, Beckmann as Christ or clown, Kirchner as drunkard, to contemporary art.

HUMAN.NATURE
Environmental protection and ecological action have been hot topics for years. A concern that has kept MMRubrecht very busy over the last 10 years and which has resulted in a new series since 2016: MENSCH.NATUR. What is environment for humans, what is nature or culture? The series "Mensch.Natur" explores this question. In his paintings, the artist Manfred Maria Rubrecht expresses people's longings for nature, to whose aesthetics he directs the viewer's gaze. With lush green meadow landscapes, brilliant Alpine panoramas or with a snapshot of the industrious activity of wild bees, he seduces us anew into our world.

 

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Kategorie: ContemporaryArt 21

Christine Straszewski (painting, concept art)

Die in Wiesbaden geborene Künstlerin Straszewski absolvierte von 1979 - 1983 ein Designstudium mit Diplom an der Hochschule RheinMain, University of applied sciences. 1982 erhielt Straszewski den Polaroid Award und 2016 erhielt sie ein Stipendium am Studio Shen Shaomin, Peking.
Straszewski ist freischaffend seit 1999 als Malerin und Konzeptkünstlerin in Mainz.

 „… Mit „FANCYDINGS“ überschreibt sie ihre Wunderkammer, die gespeist wird aus rätselhaften Gegenständen, Fratzen, Mischwesen, gespenstisch schrägen Einfällen. Das Verzahnen von bildnerischen Praktiken und phänomenologischen Facetten ist ihre Passion. Verorten lässt sich diese Malerei in der Kategorie Bad Painting. Sie folgt keinem Kanon. Auch Andy Warhol nahm sie auf in ihren Künstlerparnass, wo man die Zentralfigur der US-Nachkriegskunst an seiner charakteristischen Frisur erkennt, die Straszewski skizzenhaft umriss in ANDY (2020). Psychologische Maximen, autobiografisch verfügbare Fakten, kunstgeschichtliches Wissen, Beobachtungen von Kunstbetrieb und Marktgeschehen fließen in ihr Werk: Zielstrebig bahnen sich innere Bilder ihren Weg dorthin und wollen wahrgenommen werden als exakt das, was sie sind: individuelle Setzungen, die aus dem Rahmen des Marktgängigen und Abgesicherten fallen dürfen. Bevor Straszewski ihren Schöpfungen Form verleiht, können sie einen Prozess spielerisch-ironischer Abstraktion durchlaufen mit comicartigen Seitentrieben. … “Textauszug: Dorothee Baer-Bogenschütz, 2021

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english:
Born in Wiesbaden, Straszewski studied design from 1979 - 1983, graduating from the RheinMain University of Applied Sciences. In 1982 Straszewski received the Polaroid Award and in 2016 she was awarded a scholarship at Studio Shen Shaomin, Beijing.
Straszewski has been a freelance painter and conceptual artist in Mainz since 1999.

"FANCYDINGS" is the title of her chamber of curiosities, which is fed by enigmatic objects, grimaces, mixed creatures and spooky, weird ideas. The interlocking of pictorial practices and phenomenological facets is her passion. This painting can be placed in the category of bad painting. It follows no canon. She also included Andy Warhol in her artist parnassus, where the central figure of US post-war art can be recognised by his characteristic hairstyle, which Straszewski sketchily outlined in ANDY (2020). Psychological maxims, autobiographically available facts, knowledge of art history, observations of the art business and market events flow into her work: inner images single-mindedly make their way there and want to be perceived as exactly what they are: individual settings that are allowed to fall outside the framework of the marketable and secure. Before Straszewski gives her creations form, they can go through a process of playful-ironic abstraction with comic-like side shoots. ... "Text excerpt: Dorothee Baer-Bogenschütz, 2021

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Galerien-News

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28.03.2022

Nina Stoelting & Gábor Török

Vom 07. April bis 04. Juni 2022 zeigt die Galerie in ihren Räumen
NINA STOELTING & GÁBOR TÖRÖK
Neue Zeichnungen und Skulpturen

Offizielle Eröffnung der Ausstellung:
Mittwoch, 06.04.2022, um 19 Uhr

Einführung in das Werk des Künstlerpaares:
Dorothee Baer-Bogenschütz, Kunstkritikerin und Kunstjournalistin.

Zur Ausstellung:

Mit der Ausstellung „Paarlauf“ 2020 feierte das renommierte Künstlerpaar Wiesbadens, Nina Stoelting und Gábor Török, vor zwei Jahren sein Debüt in der Galerie Rubrecht Contemporary.

Den Charakter beibehaltend zeigt die Ausstellung Werke jüngster Schaffensphasen der Künstlerin und des Skulpteurs. So präsentiert Stoelting Zeichnungen der neuen Serie „Capriccio“, welche, in ihrer Essenz, durch visualisierte Musik beschrieben werden kann. Zu ausgewählten Musikstücken kreiert Stoelting im Moment des Hörens Zeichnungen auf Japan- bzw. Chinapapier, bei denen der Pinsel über das Blatt tanzt und simultan den Duktus des Dirigierens nachempfindet. Das Thema Struktur zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk der 1966 geborenen Künstlerin. Nach umfassender akademischer Ausbildung und Promotion setzt Nina Stoelting ihren Schwerpunkt heute in der Malerei und Zeichnung. Natur und Geschichte, vielfach in Kombination, bilden die gedankliche Grundlage ihrer meist in großen Zyklen ausgeführten Arbeiten.

Die Skulpturen von Gábor Török, meist in Bronze, aber auch in Marmor oder Edelstahl ausgeführt, rufen aufgrund seines meisterhaften skulpturalen Umgangs mit Geometrie und Bewegung spätestens nach Kenntnisnahme ihrer Titel klare Assoziationen hervor. Gábor Török, 1952 in Budapest geboren, lebt und arbeitet seit 2004 in Wiesbaden. Neben zahlreichen (inter)nationalen Ausstellungen, gestaltete er eine Vielzahl von Großplastiken für den öffentlichen Raum, u.a. auch in Wiesbaden (Kaiser-Friedrich-Ring und Hofgartenplatz, dort mit Nina Stoelting). Zeitgleich zu unserer Schau zeigt das Museum Wiesbaden noch bis zum 15. Mai 2022 die Ausstellung „Intervention“ anlässlich des 70. Geburtstags von Gábor Török im zentralen Raum der Gemäldegalerie.

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english:
About the exhibition:

With the exhibition "Paarlauf" 2020, Wiesbaden's renowned artist couple, Nina Stoelting and Gábor Török, celebrated their debut at Galerie Rubrecht Contemporary two years ago.

Maintaining the character, the exhibition shows works from the most recent creative phases of the artist and the sculptor. Stoelting presents drawings from the new series "Capriccio", which, in its essence, can be described by visualised music. To selected pieces of music, Stoelting creates drawings on Japanese or Chinese paper at the moment of listening, in which the brush dances across the page and simultaneously recreates the ductus of conducting. The theme of structure runs like a thread through the work of the artist, who was born in 1966. After comprehensive academic training and a doctorate, Nina Stoelting now focuses on painting and drawing. Nature and history, often in combination, form the intellectual basis of her works, which are usually executed in large cycles.

Gábor Török's sculptures, mostly in bronze, but also in marble or stainless steel, evoke clear associations due to his masterly sculptural handling of geometry and movement, at the latest after noticing their titles. Gábor Török, born in Budapest in 1952, has lived and worked in Wiesbaden since 2004. In addition to numerous (inter)national exhibitions, he has designed a large number of large sculptures for public spaces, including in Wiesbaden (Kaiser-Friedrich-Ring and Hofgartenplatz, there with Nina Stoelting). At the same time as our show, the Museum Wiesbaden is showing the exhibition "Intervention" on the occasion of Gábor Török's 70th birthday in the central room of the Gemäldegalerie until 15 May 2022.

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Über uns

Galerie-Information

RUBRECHT SEVERENS FINE ARTS
WIESBADEN  MAASTRICHT
 
is an association of:
 
PONTARTE GALLERY
MARIEKE SEVERENS, MAASTRICHT 6211 KV, THE NETHERLANDS
+
RUBRECHT CONTEMPORARY GALLERY
LEANDER RUBRECHT, 65183 WIESBADEN, GERMANY

www.rubrecht-severens-finearts.com
 

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Unternehmensdaten

Gründungsjahr

2013