Steinberger Galerien

Wie ein kleines Boot bereise ich den Fluss meiner inneren Welt. Dort leben Eindrücke, Fantasie, Mythologie und vor allem Empfindungen. Figuren werden lebendig, Welten und Geschichten entstehen selbstbestimmt. Als staunender Besucher gelingt es mir manchmal eines dieser scheuen Wesen auf einen Besuch in ein Bild einzuladen.
So reise ich weiter als kleine Seelen-Melodie, um am Ende meiner Fahrt wieder ein Teil des großen Liedes zu werden.

Artist - Statement

Till Augustin arbeitet mit unterschiedlichen Materialien wie Stahl, Eisen, Glas, Technischem Porzellan, Holz.

Der Künstler hat sich in den letzten Jahren vor allem auf das Industrieglas konzentriert. Seine Intention war, Glasblöcke wie ein Steinbildhauer mit Hammer und Meißel zu bearbeiten. Nach langen Versuchen kam Augustin die Idee, Industrieglasplatten zu Blöcken zu verkleben, welche dann tatsächlich dieser brutalen Bearbeitung standhalten.

Viele Arbeiten bleiben klar, förmlich mit Licht spielend. Manche erlauben einen Blick ins Innere, die dem Betrachter eine völlig neue und unerwartete Perspektive zur äußeren Form geben. Andere Arbeiten wiederum sind mit Eisenoxyden patiniert. Hier nähert sich der Betrachter einem massiven, fast unzerstörbaren Eisenblock. Nur bei näherer Betrachtung realisiert man, dass es sich um Glas handelt – pure Zerbrechlichkeit ...

Textauszug: „European Sculpture – methods, materials, poetry“
at the Edsvik Konsthall, Stockholm

Die grundlegende Aufgabe eines Künstlers besteht darin, jeden, der über verfeinerte Sinne und guten Willen verfügt, zu einer höheren Dimension zu führen. Hochzufliegen. Das bedeutet spirituelle Erhebung und unaufhörliche Suche nach Schönheit, denn ich bin überzeugt (heute mehr denn je), dass nur die Schönheit uns retten kann. Von genau diesem Ideal motiviert, arbeite ich jeden Tag in meinem Atelier in der Nähe des Waldes, in der Nähe der Bäume, die ich so sehr liebe.

Enrico Challier

Der Künstler Manfred Hellweger widmet sich in seinem Werk grundlegenden Sinn- und Wertfragen des menschlichen Daseins. Seine Kunst spiegelt die Dynamik des Lebens, den ständigen Wandel der Welt und die Vergänglichkeit aller Dinge wider.

Seine unverwechselbaren Skulpturen entstehen überwiegend aus Holz, Stein und Metall - Materialien, die gleichermaßen Beständigkeit und Veränderung verkörpern. Hellweger arbeitet bewusst mit einfachen, geometrischen Grundformen wie Würfeln, Leisten, Brettern, Nägeln oder Formrohren. In verschiedenen Techniken verbindet er die einzelnen Elemente zu figürlichen oder abstrakten Kompositionen, die sich nach unten verjüngen. So entsteht der Eindruck einer vertikalen Auflösung, die den Skulpturen eine leichte und schwebende Dynamik verleiht.
Die bewusste Verschiebung der einzelnen Elemente erzeugt räumliche Öffnungen, die den Innenraum sichtbar machen und eine mehrschichtige Wahrnehmung der Form erlauben. Diese Gestaltung kann als Hinweis auf die Instabilität des Seins verstanden werden. Die Skulpturen zeigen keinen statischen Zustand, sondern machen sichtbar, dass alles in Entwicklung ist. Sie eröffnen einen Raum der Reflexion, in dem Fragen nach Zeit, Endlichkeit und Veränderung erfahrbar werden.

Trotz der reduzierten Formensprache besitzen Hellwegers Arbeiten eine hohe symbolische Dichte. Die Konzentration auf grundlegende Formen und Materialien folgt einer Haltung der bewussten Vereinfachung. Statt auf Überfluss setzt der Künstler auf Klarheit und Wesentlichkeit - als Gegenposition zur zunehmenden Komplexität und Reizfülle der modernen Welt.

Nicht "immer mehr", sondern "zurück zum Wesentlichen" lautet sein künstlerisches Credo. In einer Zeit rastlosen Fortschritts und flüchtiger Aufmerksamkeit erinnert Manfred Hellweger daran, dass die wahre Essenz oft im Einfachen liegt.

Die Begegnung mit meinen Figuren ist ein zwiespältiges Erlebnis, sie sind nahbar und unnahbar zugleich. Man kann ihnen sehr nahekommen, sie berühren und in einen stillen Dialog treten. Der Wunsch nach einer tatsächlichen Begegnung bleibt jedoch unerfüllt.

Rainer Kurka


Die Skulpturen des Künstlers haben sich der menschlichen Figur verschrieben und werden ohne Modellvorlage gefertigt. Aus diesem Grund beschreibt er seine Arbeit selbst als einen Existenzen schaffenden Prozess. Dieser Eindruck wird zusätzlich durch die naturalistische, detailverliebte Bemalung und ihre lebensgroße Darstellung unterstrichen.

Eva Pongratz - Steinberger Galerien

Im Vordergrund meiner Arbeit steht meine Auseinandersetzung mit dem menschlichen Körper, dessen Präsenz und dessen Ausdruck in Bewegung. Ich stelle den menschlichen Körper in einfacher, stark abstrahierter Form dar. Dabei versuche ich dessen Dynamik und dessen Statik in dem begrenzten Raum des vorhandenen Materials -meist des Baumstammes- auszuloten. Die Skulptur entwickelt sich über die Reduzierung des Körpers auf Bewegungslinien, verbunden durch eine gespannte, strukturierte Oberfläche. Diese spiegelt zugleich auch die Rhythmik der Bearbeitung wider.

Frank Leske

https://shop.steinberger-galerien.de/kuenstler/michael-pickl/index.html

Holz ist das Ausgangsmaterial für die künstlerische Arbeit von Michael Pickl. In seinem künstlerischen Schaffen wird die handwerkliche Arbeit von Gefühlen und Träumen, von Gedanken und Ideen geleitet. Sie auszudrücken meißelt, schnitzt und malt er das Material zu Formen und Zeichen. In seinen Holzskulpturen erhält der Baum eine neue Daseinsform. Das Eindrucksvolle seiner Kunst ist das Absehen. Ein geistiger Vorgang, bei dem er von Details, Nebensächlichem und Zufälligem absieht und einfache Formen schafft. In diesem Weglassen der den Blick verstellenden Details sowie im Gestalten eines neuen Ganzen hat er wunderbare Skulpturen geschaffen.

Im Zentrum seines Schaffens steht die Frau, der er eine wundersame Leichtigkeit, eine radikale Einfachheit und eine geheimnisvolle Schönheit mit auf den Weg in die Welt gibt, so dass Betrachter veranlasst werden, sich in derselben Weise - frohgemut und positiv -. in die Welt hinein zu bewegen. Das ist bedeutsam, weil der Mensch der Welt das Beste antut, wenn er froh, optimistisch und wohlgelaunt auf sie zugeht.

Textauszug von Hajo Eickhoff

Artist - Statement / Text
In meiner Kunst suche ich nach einer neuen Verbindung – zwischen Mensch und Natur, zwischen Innenwelt und Außenwelt, zwischen dem, was wir erbaut haben, und dem, was uns erbaut hat. Ich male Räume: Alte, von der Zeit durchdrungene Innenräume, die mit hohen Decken, Stuck, Kristallleuchtern und stiller Würde erzählen, was einmal möglich war. Diese Räume sind keine nostalgischen Kulissen – sie sind fragile Zeugen einer Baukultur, die immer seltener wird.

Heute werden sie abgerissen, ersetzt durch seelenlose, billig errichtete Neubauten. Parallel dazu schwindet das Grün in unseren Städten – Bäume, Gärten, Lebensräume verschwinden im Schatten von Beton. Meine Malerei widersetzt sich dieser Entwicklung. Sie bringt das zusammen, was getrennt wurde: die Tiefe jahrhundertealter Architektur und die stille Kraft der Natur.

Ich male nicht die Trennung, sondern die Sehnsucht nach Einheit. Pflanzen durchbrechen Mauern, Licht fällt in Räume wie eine Erinnerung. Natur ist bei mir kein Dekor – sie ist Subjekt. Und Licht ist die eigentliche Protagonistin meiner Werke. Es ist das Licht, das alles verbindet, durchdringt, offenbart. Nur durch Licht sehen wir den Schatten. Nur durch Kontraste erkennen wir Tiefe.

Auch in meinen Bronzen – setze ich diesen Gedanken fort. Menschliche Formen verweben sich mit natürlichen Strukturen. Es geht mir nicht um Abbildung, sondern um Beziehung: Wie können wir als Menschen wieder Teil eines größeren Ganzen werden ohne zu dominieren?

Meine Kunst ist  politisch. Sie klagt nicht an – sie zeigt, was wir verlieren. Sie ist eine Hommage an das, was Bestand hatte und dennoch verschwindet. Und sie ist ein Versuch, dass das, was wir verdrängt haben – Schönheit, Stille, Natur, Licht – wieder zuzulassen.

Marina Sailer



Die Malerei von Marina Sailer schwelgt in kräftigen, aber modulierten und nuancierten Farben, mit denen sie ihre neobarocken, phantastischen Rauminszenierungen gestaltet. Vor funkelnden Kronleuchtern, spiegelndem Glas, üppigen Rankenmustern schweben in morbiden Palästen Fische, Schmetterlinge oder auch Elfenwesen wie in Träumen vorbei.

Die märchenhaft mysteriösen Bilder entfalten eine Sogwirkung, der man sich als Betrachter gerne hingibt. Sowohl die Interieurbilder als auch die geheimnisvollen Landschaften nehmen uns gefangen mit ihren Lichteffekten, einem flirrenden Licht, mit Glanzpunkten und Kronleuchterkristallen, auf Seifenblasen und zwischen Waldesgeäst.

Die Bilder versetzen uns mit den von ihnen erzählten, rätselhaften Geschichten in eine geheimnisvolle Stimmung. Bilder, die aus ganz subjektiven Erinnerungen, Erlebnissen, Erfahrungen und Träumen leben.

Die Bilder scheinen für die Künstlerin Phantasiereisen zu sein, in denen sie ihre Freiheitsvorstellungen auslebt. Sie leben aus der Emotionalität der Künstlerin heraus. Aus Bruchstücken ihrer eigenen Erinnerung, ihrer Gedankenwelt und ihrer Phantasie erschafft sie wie auf einer Bühne eine phantastische Wirklichkeit.

Text: Helmut Kesberg (Kunstverein Frechen)

In Wilhelmshaven, am Meer aufgewachsen, habe ich schon während meines Kunststudiums in Braunschweig, meine Liebe zu den italienischen Malern der „Pittura Metafiscia“ entdeckt und für meine Arbeit übersetzt. Ich sehe mich in der Tradition der „Deutsch-Römer“, in der sich nordische Einflüsse und mediterranes Lebensgefühl verbinden. Mit strenger Bildkomposition und behutsamer Farbgebung spüre ich in meinen Bildern dem Geheimnis der Dinge nach.

Meine Arbeiten werden atmosphärisch verdichtet, so dass wir sie nicht für eine Abbildung der Wirklichkeit halten, sondern für eine künstlerisch geschaffene Welt, die durch ihre Gegenständlichkeit auf das sichtbare Leben verweist.
Die von mir gewählten Bildgegenstände sind mit eigenen Erfahrungen und Erlebnissen verbunden, doch es geht mir in meiner Malerei immer auch um das Exemplarische, zum Beispiel, um das Nahe und Ferne, um das Konstruierte und das Gewachsene, um die Behausung und das Unbehauste der Natur, um das einfache Dasein der Dinge und ihr geheimnisvolles Sosein, ihre physische Körperlichkeit und ihren metaphysischen Gehalt.

Folkert Rasch

In meinen Arbeiten spielen zwischenmenschliche Beziehungen und das Verhältnis des Individuums zur Gesellschaft eine große Rolle. Meine ungegenständlichen Skulpturen schaffen ein komplexes Spannungsverhältnis, in dem auch übergeordnete Wechselwirkungen zwischen menschlichen Charakteren und ihrer Umwelt eine Rolle spielen. Der sensible Balanceakt der Materialien in den Objekten wird so zu einer Metapher des menschlichen Seins.

Waltraud Späth

Das besondere an der Materialität Plexiglas ist, Skulpturen mit Lichtreflexionen und Spiegelungen zu kreieren!“ Für meine Werke benutze ich Blockmaterial aus Plexiglas, welches ich mit meinen langjährig entwickelten Techniken zum Bearbeiten von Skulpturen - beispielsweise durch den Einsatz von feinsten Instrumenten aus dem medizinischen Bereich – bearbeite, aushöhle, fräse, schleife, poliere etc.

Diederik Storms

Um die Kontraste in seinen Arbeiten herauszuarbeiten, benutzt Diederik Storms rohe Basismaterialien wie Stein und Stahl sowie Fundstücke aus zum Teil versteinertem Holz. Diese kombiniert er mit klarem Plexiglas – auch Perspex oder Acrylat genannt, welches in Platten oder Blöcken hergestellt wird.

Sonja Steinberger - Steinberger Galerien

Gemalt oder fotografiert ist bei meinen Arbeiten nicht immer leicht zu erkennen. Bilder mit malerischem Charakter - eine Synthese aus Malerei und Fotografie. Lichtmalerei im Sinne des Wortes. Die beiden unterschiedlichen Gattungen Painting und Photo verschmelzen zu Digital Art. Struktur und Kontur befinden sich in einem Auflösungsprozess, die bloße Essenz bleibt erhalten. Es entstehen ganz eigene Bilder im Kopf... ein Loslassen bisheriger Sehgewohnheiten ist erforderlich. Für mich sprengt das Zusammenspiel von ICM Fotografie und Digital Art alle Blockaden. Abstrakte Fotografie mit dem Schmelz bewusst gewählter Unschärfe und digitaler Bildkunst. Das bewusste Bewegen der Kamera befreit mich vom Streben nach ultrascharfen Bildern und setzt mehr Kreativität bei der Aufnahme und der digitalen Bearbeitung frei. Diese Technik ist weitaus aufwendiger als normale Fotografie.
Die gezeigten Arbeiten berühren in ihrer Zartheit und weisen somit ein großes Alleinstellungsmerkmal auf.

Birgit Unterweger

His imaginative paintings reflect a relationship with his memories that emanate a feeling of how we would like to merge our present, so common and ordinary yet so powerfully human.

Ramón A.Olivares . Founder The Guide Artists


Villalba is a searcher and lover of work well done, he ends one phase without apprehension to enter another, and in all those phases we find him once more.

The work of this Spanish artist is made up of different stages, all them characterized by an intense desire for ideal composition, by means of exquisite technique. An indisputable value of his art is its unusual character; we cannot type-cast it in any artistic school nor in any ephimerous fashion. However, we unavoidably discover the creator in an avant-garde context.

„Die Tanzenden“

Das Tanztheater Pina Bausch ist in der Welt zuhause, seine Heimat aber ist Wuppertal. Die Bildhauerin und Malerin Dagmar Vogt hat die Tänzer und Tänzerinnen des Tanztheaters in Wim Wenders Film „Pina“ neu entdeckt und Fotos von einzelnen Filmszenen gemacht.

In ihrem Atelier in Wuppertal-Beyenburg sind nach diesen Fotos insgesamt 9 Figuren entstanden, neun als kleine Modelle, fünf in halber Lebensgröße und alle neun Positionen in voller Lebensgröße.

Im Zentrum dieser Tanzfilm-Dokumentation von Regisseur Wim Wenders stehen Ausschnitte aus Pina Bauschs Tanztheater-Stücken „Le sacre du printemps“, „Café Müller“, „Kontakthof“ und „Vollmond“.

Dabei bewegen sich die Tänzerinnen und Tänzer immer in einer für den Tanz ungewöhnlichen Umgebung. Die Bühne ist entweder von einer knöcheltiefen Schicht aus nassem Torf bedeckt, mit Wasser gefüllt, sie tanzen auf der Halde Haniel in Bottrop, oder im Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal.

Leichtfüßige Bewegungen erlauben die Untergründe oft nicht. Das ist auch nicht beabsichtigt. Es kam Pina Bausch auf den speziellen eigenen Ausdruck der Tanzenden im Verhältnis zu ihrer Umgebung an. Vieles wiederholen die Tänzerinnen und Tänzer dabei in einer Endlosschleife, wie zum Beispiel die Tänzerin, die mit dem Stuhl tanzt („Freude“), die Tänzerin, die mit einem Baum über die Bühne schreitet, („Die Baumtänzerin“) oder der Tänzer, der seine Partnerin hochhebt und über sich trägt („Flieg mit mir“), oder auch einfach in seinen ausgestreckten Armen auffängt („Versöhnung“). Die Tänzerin „Leben“ zieht sich in einem Schwimmbad in Wuppertal selbst an den Haaren hoch und wiederholt dies tanzend , während „Vollmond“, ein Tänzer aus dem Stück „Vollmond“ von Pina mit vielen andern Tänzerin zusammen auf der Bühne auf Zehenspitzen tanzend in den Himmel blickt.

Die einzige Figur, die Dagmar Vogt nicht nach einer Szene aus dem Wim Wenders Film „Pina“ geschaffen hat, ist die Figur „Pina“, die Pina Bausch selber in jungen Jahren an der Ballettstange übend darstellt. Diese Szene hat DAVO ebenfalls nach einem Foto modelliert, wobei sie das Gesicht von Pina Bausch auf Ähnlichkeit nachempfunden hat.

Das Tanztheater von Pina Bausch bewegt sich sehr weit weg vom klassischen Ballett, seinem Drill und seinen Figuren. Bauschs Tänzer, und vor allem auch die Tänzerinnen durften altern und zeigen, was sie mit der Zeit an Ausdruck dazu gewonnen haben.

Diesen besonderen Ausdruck, die spezielle Form des Tanzes versucht DAVO mit ihren Figuren einzufangen und hat damit eine einzigartige Serie geschaffen.