Galerie Filser & Gräf

„Meine künstlerische Tätigkeit spiegelt meine Suche nach Klang, Komplexität, Differenzierung und Herausforderung wider. Erkenntnislehre, Erfahrung, Intuition und die Kreativität in einem sich ständigen fortsetzenden und wandelnden Prozess finden Eingang in Gestaltung und Ausdruck meiner Kunst.“
Christa Filser

Landscapes by Christa Filser
Christa Filsers Aufbau Komposition des Bildraumes liegt in der Gestaltung unterschiedlicher Elemente aus kolorierten und naturbelassenen Papierschichtungen. Er versteht sich als konsequente Weiterentwicklung der Anordnung vertikaler, gegenständlicher Bildinhalte hin zur Abstraktion, die ihre erzählerische Kraft aus der horizontalen Ordnung kognitiver Wahrnehmung und Zuordnung bezieht. Christa Filser führt dabei vor, wie die Dekonstruktion dabei plötzlich ein kreatives, schöpferisches Potenzial entwickelt und aus Chaos unversehens eine vorläufige Ordnung, ein Gleichgewicht entsteht, aus der neue Welten, Horizonte und Wirklichkeiten geboren werden.

Collagen und Zeichnungen by Christa Filser
Bei eingehender Beschäftigung mit den Werken der Künstlerin fällt auf, dass es einen deutlichen Unterschied gibt zwischen dem, was man oberflächlich und materiell sehen kann und dem, was sich darunter verbirgt.
Christa Filser inszeniert nicht nur, sondern sie beobachtet und kommentiert durch ihr Bildpersonal vehement menschliches Leben und Verhaltensmuster. Der Weg zum Ziel führt über das Rollenspiel ihrer Protagonisten. 
Die Bildwelt der künstlerischen Arbeiten Christa Filsers ist mit Phantasiegestalten, Comic- und Märchenfiguren bevölkert, die durch ihr Rollenspiel die Schauplätze des Tages nachspielen. 
Die Vorgehensweise der Künstlerin im Setzen auf die Skurrilität des Alltags ist so subtil, dass man den absurden Humor erst dann merkt, wenn man die Fiktionalität der Darstellung schon in sich mit Wirklichkeitswert angenommen hat. Die Intensität und Präsenz eines Zwischenraums, ein Dazwischen, welches sich in dem Spannungsfeld zwischen Realitätsanspielung und fiktionalem Sein erstreckt, lebt in den Collagen und Zeichnungen der Künstlerin auf.
Stefan-Maria Mittendorf M.A. – Kunsthistoriker und Kurator

Der Künstler Mads Rafte Hein (geb. 1977) lebt und arbeitet in Roskilde, Dänemark.
Er hat den Abschluss zum Grafikdesigner an der Technischen Hochschule Kopenhagen im Fachbereich Grafik erworben. Darüber hinaus wurde er von renommierten Künstlern unterrichtet, wie z.B.: Grethe Bagge, Bjørn Poulsen, Peter Carlsen und Peter Nansen Scherfig. Er hat in Deutschland, Taiwan, Österreich und Schweden ausgestellt und an zahlreichen Ausstellungen in Dänemark teilgenommen, darunter dreimal an der Frühjahrsausstellung in Charlottenborg und an der Herbstausstellung der Künstler in Den Frie, Kopenhagen. Seine Werke befinden sich in zahlreichen Privatsammlungen und Kunstvereinen.

Sebastian Herzau ist stets auf der Suche nach neuen Herausforderungen in der klassischen Maltechnik. Dabei widmet er sich hauptsächlich den traditionellen Bildgattungen Porträt und Stillleben, die er in seine eigene künstlerische Handschrift übersetzt. Er erschafft Illusionen im Sinne der Trompe-l’œil-Malerei und doppeldeutige Bildwelten, die seine experimentelle Neugier offenbaren. Oftmals verleiht er ihnen eine besondere Prise "Herzau-Humor", die den Betrachter zum Schmunzeln bringen.

Darüber hinaus arbeitet der Künstler seit Jahren an seiner Werkreihe „tgb. the great below“ weiter. Dabei ist es ihm wichtig, den Wahrnehmungsprozess anzuregen und womöglich ein voyeuristisches, geheimnisvolles Gefühl auszuloten oder zu erzeugen. Was verbirgt sich dahinter? Was ist real und Illusion?

Die Werke von Jessi Strixner zeichnen sich durch eine präzise handwerkliche Technik und eine eindringliche Bildsprache aus. Mit feinem Gespür für Materialität und Form entwickelt sie figurative Arbeiten, die zwischen Realismus und surrealer Überhöhung oszillieren. Ihre künstlerische Praxis reflektiert gesellschaftliche Fragestellungen und persönliche Narrative – oft mit einem feinen, subversiven Humor und einer ästhetischen Klarheit, die unmittelbar berührt.

Tobias Stutz’ Bildkonzepte leben von der stillen Spannung zwischen Ordnung und Auslassung. Obwohl er von klaren, geometrischen Strukturen geprägt ist – angelehnt an die Architektur der Moderne und Bauhaus‑Ästhetik – vermeidet er oft explizite Symmetrie. Ausschnitte sind so gewählt, dass der Blick nicht mittig, sondern seitlich geführt wird; Lichtquellen akzentuieren Flächen ungleichmäßig; Rahmen und Bildformate werden in manchen Werken bewusst moduliert (z. B. shaped canvas), um die Erwartungen an ein symmetrisches Gleichgewicht zu stören. Durch diese Mittel erzeugen seine Werke ein Gefühl von tieferer Räumlichkeit und Einbindung, als stünden wir nicht vor einem Gemälde, sondern in einem realen Raum, der gleichzeitig offen, unvollständig und poetisch ist.

In den Gemälden von Maria Wallenstål-Schoenberg entstehen Farbklänge, die wie in einem Musikstück in rhythmisierte Wechselwirkungen treten. Untere Farblagen schwingen nach vorne, verschwinden wieder, um sich woanders in neuer Weise zu präsentieren. Farbfelder beziehen sich aufeinander, Formen treten an ihren Rändern in Kontakt, Bildkanten erzählen eigene Geschichten. Der Farbwert konstituiert sich förmlich in einer ihm eigenen vitalen Lebendigkeit, resultierend aus ihn steigernden, belebenden Untertönen. Das Heraustreiben eines Farbwertes durch modulierende Schichtung als Malprozeß verleiht der Farbe eine aktive Rolle. Sie wächst förmlich aus sich selbst heraus, gestaltet sich in ihrer Farbkraft aktiv. Ähnlich dem mittelalterlichen Changeant oder der dreistufigen Farbmodulation–nach Licht-, Mittel- und Schattenwert entsteht der gesteigerte Schönheitswert eines Farbtons aus temperatur- und helligkeitsbedingten bzw. nachbarschaftlichen Farbtonvarianten, die sich hier gleich Lasuren übereinanderrlagern. 
Inspiriert unter anderem von Künstlern wie Johannes Itten, Barnett Newman oder Joan Mitchell hat die Künstlerin in den letzten Jahren ein Werk geschaffen, das international von Bedeutung ist.