Kunst Kompetenz Petra Kern

Der Maler Daron Gonzalez schloss 2007 sein Studium an der San Alejandro National Academy of Fine Arts in Havanna, Cuba ab und hat sich bereits in zahlreichen Ausstellungen in den USA, Frankreich und Cuba hervorgetan. Gonzalez, der heute in Miami lebt und wirkt, sagt über sich selbst:

„Menschliches Verhalten ist der Hauptreflexionspunkt in vielen meiner Arbeiten. Ich interessiere mich dafür, wie die Vergangenheit der Menschen sie definiert und wie diese im Laufe der Zeit allmählich zu einem Sediment wird, das sich kontinuierlich in unserer Erinnerung befindet und uns größtenteils zu dem formt, was wir heute sind.

Ich versuche Menschen dazu zu bringen, über sich als Aufbewahrungsort ihrer eigenen Geschichte zu reflektieren, aber auf eine intime Art. Ausgehend von der Vorstellung, dass alles, was wir erleben, auf den ersten Blick wie eine Fata Morgana wirkt. Wenn wir jemanden beobachten, nehmen wir seine körperliche Erscheinung wahr. Aber erst seine Handlungen definieren ihn als Person.“ (Dayron Gonzalez, Miami, Oktober 2020)



The painter Dayron González was trained at San Alejandro National Academy of Fine Arts, Havana, Cuba and lives and works today in Miami. Numerous exhibitions in Cuba, USA and France raised interest in his colourful mystic art. He states about himself:

“Human behavior is the main point of reflection in much of my work. I am interested in the way in which people’s past defines them, and how it gradually becomes like sediment as time goes by, continuously in our memory, mostly shaping us into what we are today, now.

I also attempt to create situations that lead to reflections on human beings as containers of their own story, but in an intimate way; starting from the premise that everything we consume of the world at first sight works as a kind of mirage. When we observe someone, we perceive features of their physical appearance, but their actions are what define them as a person”. (Dayron Gonzalez, Miami, October 2020)

Die Künstlerin Seona Sommer hat sich auf zeitgenössische figurative Kunst spezialisiert. Ihre beeindruckenden Porträts zeugen von einem tiefen Verständnis für Humanität und Diversität. Sie nimmt den Betrachter auf eine berührende Reise mit und entführt diesen bis in die Seele der dargestellten Persönlichkeiten, die aus ganz unterschiedlichen Kontexten stammen.

Mit ihrer Kunst möchte sie Grenzen aufbrechen und Distanzen überwinden. Sie erforscht die Vielfalt verschiedener Kulturen, Subkulturen und individueller Charaktere. Dabei erkundet sie die Emotionen des Einzelnen und konzentriert sich dabei auf die Gemeinsamkeiten wie Freundschaft, Selbstwert, Humor, die Liebe u.a. und nicht auf die unterschiedliche Herkunft oder sozialen Schichten einzelner.

Die Thematik von Freundschaften nimmt in Seona Sommers Werken einen besonderen Platz ein. Diese werden nicht nur malerisch erforscht, sondern auch durch internationale Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen kultiviert. Die Zusammenführung verschiedener künstlerischer Perspektiven schafft eine einzigartige Dynamik und bereichert die Kunstszene um vielfältige Ausdrucksformen.

Seona Sommers einzigartige Kunst wird zu einer Reise, die nicht nur die Augen öffnet, sondern auch das Herz berührt und auch ein WIR fördert und damit auch den Kern der Galeriearbeit von Petra Kern widerspiegelt.


The artist Seona Sommer specializes in contemporary figurative art. Her impressive portraits demonstrate a deep understanding of humanity and diversity. It takes the viewer on a touching journey and into the soul of the personalities depicted, who come from very different contexts.

With her art she wants to break down boundaries and overcome distances. She explores the diversity of different cultures, subcultures and individual characters. She explores the emotions of the individual and focuses on the similarities such as friendship, self-esteem, humor, love, etc. and not on the different origins or social classes.

The theme of friendship occupies a special place in Seona Sommer's work. These are not only explored through painting, but also cultivated through international collaboration with other artists. The combination of different artistic perspectives creates a unique dynamic and enriches the art scene with diverse forms of expression. 
Seona Sommer's unique art becomes a journey that not only opens the eyes but also touches the heart and promotes a WE, thus reflecting the core of Petra Kern's gallery work.

Die Stärke des an Salzburger Akademien ausgebildeten Malers Bernhard Vogel liegt im Aquarellieren. Hierbei bevorzugt er Städteansichten wie London, Venedig, Rom, Salzburg, Berlin u.a. Auch in Portraits, Blumenbildern und Landschaften nimmt der seinem Geburtsort treu gebliebene Künstler den Betrachter mit seinem leichten und schwunghaften Pinselstrich in einem prächtigen Farbenrausch gefangen. Seine Werke in Mischtechnik, die er sehr oft für Großstädte wie New York oder Frankfurt einsetzt, zeugen von seiner Empfindung, der zufolge „Kreativität wie ein Gebirgsbach ist“: wild, vibrierend, schnell, sich seinen Weg suchend. In seinen neuesten auf der art Karlsruhe gezeigten Werken verbindet der Maler, der sich in der Kunst stets neu auf den Weg macht, seine Techniken: Malerei, Collage, Aquarell und Acryl, sogar Leim erheben seine Werke in die vierte Dimension, die Luft.

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The talent of the artist Bernhard Vogel is shown in his beautiful watercolours. Trained in Salzburg, he travels a lot seeking new motifs, but always remains true to his place of birth. With his technique of watercolours, he prefers depictions of city landscapes such as London, Venice, Rome, Salzburg, Berlin and others. In equal measure in portraits or flower paintings Bernhard Vogel mesmerizes the beholder with his light and swinging brush-strokes in a magnificent colour-orgy. His works in mixed media, which he uses very often for the big cities like New York or Frankfurt, show even more his sentiment that “creativity is like a mountain stream”: wild, fluttery, fast, shaping its own path. In his latest works shown at art Karlsruhe, the painter, who approaches his work always as if it was new to him, combines his techniques: painting, collage, watercolor and acrylic, even glue, elevating his works into the fourth dimension, the air.

Markus Magenheim benutzt für seine oft ungewöhnlich großformatigen Aquarelltableaus lediglich eine einzige Farbe: Caput Mortuum, ein Pigment aus der Gruppe des Eisenoxydrots, dessen Name ins Deutsche übersetzt "Totenkopf" bedeutet.

Indem er diese einzige Farbe für alle seine Arbeiten benutzt, legt er den Fokus gezielt auf das Wesentliche seiner Sujets und verleiht diesen die konzentrierte Schlichtheit alter Schwarzweißaufnahmen. Die Tableaus Markus Magenheims zeigen in der Regel keine "Schnappschüsse" tatsächlicher Situationen, sondern sind sorgfältig komponiert. Die Personen - meist Bekannte aus dem Umfeld des Künstlers - werden dabei in einen Kontext versetzt, der mit ihren eigentlichen Lebensumständen häufig wenig zu tun hat. Zuweilen spielen die Bildinhalte auf Motive aus der der Kunstgeschichte an, gehen aber stets über eine bloße Neuinterpretation derselben hinaus, rutschen ab ins Absurde und ins (Alb-)traumhafte und entbehren nicht eines bissigen Humors. Immer aber wird in den Bildern Markus Magenheims auch unsere Gegenwart thematisiert. So finden wir etwa in durch die Corona-Pandemie leergefegten Straßen einsame, in sich selbst zurückgezogene Menschen vor, oder werden Zeuge davon, wie sich junge Damen „Instagram tauglich“ vor einer Naturkulisse inszenieren, die deutlich von Klimakrise und Wassermangel gezeichnet ist.



Markus Magenheim only uses a single color for his often unusually large-format watercolor tableaus: Caput Mortuum, a pigment from the group of iron oxide red, whose name means "skull" when translated into German. 

By using this single color for all of his works, he focuses specifically on the essence of his subjects and gives them the concentrated simplicity of old black and white photographs. As a rule, Markus Magenheim's tableaux do not show "snapshots" of actual situations, but are carefully composed. The people - mostly acquaintances from the artist's environment - are placed in a context that often has little to do with their actual life circumstances. At times the image content alludes to motifs from art history, but always goes beyond a mere reinterpretation of them, slips into the absurd and dreamlike (sometimes nightmarish) and is not without a biting humor. But Markus Magenheim's pictures always address our present. For example, we find lonely people withdrawn into themselves in streets that have been empty due to the corona pandemic, or we witness how yound women present themselves "Instagram-ready" in fron of a natural backdrop that is clearly marked by the climate crisis and lack of water.

Der Künstler Karen Shahverdyan absolvierte eine Ausbildung an der Terlemesyan-Kunstschule in Yerevan (Armenien). Er studierte an der Staatlichen Akademie der Künste Tbilissi (Georgien) und arbeitete unter anderem am staatlichen Kunstmuseum in Georgien. Heute lebt Karen Shahverdyan als freischaffender Künstler in Darmstadt. Formvollendet beherrscht er Stile und Techniken alter Meister. In seiner modernen, hyperrealistischen Malerei steht jedoch diese ihm eigene Fertigkeit nicht mehr im Vordergrund, sondern wird Mittel zur Formulierung neuer Inhalte. Er verlässt den Boden der konventionellen Malerei und experimentiert mit realen Bildelementen wie Landschaften, Architektur, Himmel oder Menschen und greift Symbole auf, die er auf unkonventionelle Weise miteinander verbindet. Strand- und Meer-Szenen, Scheinwelten mit Bezügen zur Realität, die uns träumen und schmunzeln lassen, aber gleichzeitig intensiv herausfordern, über uns, das Leben und die Welt, in der wir leben, nachzudenken.


Artist Karen Shahverdyan graduated from Terlemesyan Art School in Yerevan (Armenia). He studied at the State Academy of Arts in Tbilisi (Georgia) and worked at the State Art Museum in Georgia. Today Karen Shahverdyan lives as a freelance artist in Darmstadt. He is proficient in the styles and techniques of the old masters yet takes a modern approach in which the mastery of the trade is not at the fore but is rather a tool with which to express new content in his works. He departs from conventional painting and experiments with real visual elements such as landscapes, architecture, the sky, or people, and draws on symbols which he then combines in an unconventional manner to generate expressive images. Beach and sea scenes, illusory worlds with references to reality, that make us dream and smile while at the same time challenge us to think about ourselves, life and the world in which we live.

Jonathan Huxley studierte zwischen 1987 und 1992 an der Nottingham Trent University und der Royal Acadamy of Arts, London, in der Stadt, in der er auch heute noch lebt und arbeitet. Aus seiner Sehschwäche und Lichtempfindlichkeit macht er eine Tugend, welche dazu führte, dass er beginnt im Dunkeln unter UV-Licht mit fluoreszierenden Farben zu malen. Hier entwickelt er seine besten Ideen – herausgefilterte Erinnerungen in stiller Meditation ohne Ablenkung, die hin zur Abstraktion von menschlichen und natürlichen Begebenheiten führen. Im Fokus seiner Werke steht der Mensch. In seiner fortwährenden Wiederholung willkürlicher Gestik und Bewegung aus der Vogelperspektive wahrgenommen, schickt er des Betrachters Auge auf eine Reise in diese minimalistische Komposition bizarrer, verführerischer und anmutender Lebewesen. 
Die Absicht des Künstlers ist die Wiedergabe von menschlichem Verhalten in all seinen Ausprägungen von "positiv tänzelnd" bis "aggressiv ausbrechend". Und die Frage wirft sich auf: Wo beginnt Menschlichkeit? Nur in der (Nächsten)liebe oder auch oder auch auf der anderen Seite, dem Haß? Denn wir tragen schließlich alle Seiten in uns.


Between 1987 and 1992, Jonathan Huxley studied at Nottingham Trent University and the Royal Academy of Arts, London, where he still lives and works. His weak vision and sensitivity to light led to him painting in the dark under fluorescent light with fluorescent colours. Here he developed his best ideas – filtered out memories in silent meditation without distraction, leading to the abstraction of human and natural events. The focus of his art is the human being. Perceived from a bird‘s eye view, in his constant repetition of arbitrary gestures and movements, Huxley sends the beholder`s eyes on a journey into his minimalist composition of bizarre, seductive and graceful creatures.
The artist's intention is to depict human behavior in all its manifestations, from "positive dancing" to "aggressive outbursts". And the question arises: Where does humanity begin? Only in (charity) love or is it to be found also or on the other side, hatred? Because after all, we have all sides within us.

Jürgen Heinz lebt und arbeitet als bildender Künstler mit dem Material Stahl in Lorsch.

Seine Objekte sind reduziert und konzentriert, puristisch und muskulös. Stets getragen von einer klaren Formensprache und eleganten Textur. Der Betrachter übernimmt den subtilen Pulsschlag der Plastik und tritt ein in einen kontemplativen Wahrnehmungszustand, in dem er sich der visuellen Musikalität und lyrischen Kraft des Materials aussetzt.  

Virtuos spielt der Künstler mit Gewicht und Form, Harmonien und Kontrasten, Gravitation und Schwerelosigkeit. Indem er schweren Stahl als flexible Masse inszeniert, hat Jürgen Heinz der Natur des Materials eine neue Facette hinzugefügt. Aus "Heavy Metal" wird zarte, filigrane Kammermusik. 
Seine Objekte sind kopflastig, ohne den Kopf zu verlieren. Er erschafft ausdrucksstarke Symbole der Spannung und der befreienden Energie und vertraut der Lust und Fähigkeit des Betrachters, die vorgegebene dynamische Bewegung in der Phantasie fortzusetzen.
Die MOVING SCULPTURES von Jürgen Heinz kommunizieren mit dem Betrachter, berühren, ziehen in Bann und fordern auf zum Agieren.

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Jürgen Heinz works with steel.  

His objects are reduced and concentrated, puristic and muscular. Always expressed in a clear design style with an elegance of texture. The viewer takes over the subtle pulse of the sculpture and enters a contemplative state of perception in which he exposes himself to the visual musicality and lyrical power of the material.

The artist expertly plays with weight and form, harmony and contrast, gravity and weightlessness. By presenting heavy steel as a flexible mass, Jürgen Heinz has, as it were, overcome the nature of the material and added a new dimension to it, turning "Heavy Metal" into delicate, sophisticated chamber music.  

His objects are top-heavy without losing their heads. He creates expressive symbols of tension and liberating energy. The metal sculptor trusts the viewer's desire and ability to develop the given dynamic movement in his imagination. Jürgen Heinz's Moving Sculptures communicate with the audience, touch, captivate, and challenge them to act.  

The MOVING SCULPTURES by Jürgen Heinz communicate with the viewer, touch, beguile and call to action.
 

1992 beginnt die künstlerische Laufbahn von Stefanie Welk, die heute bei Heidelberg arbeitet und lebt. Sie arbeitet überwiegend mit den Werkstoffen Metall und Draht, denen sie durch Biegen, Knoten und Schweißen förmlich Leben einhaucht. Von 1992 bis 1999 studiert die Künstlerin Psychologie an der Universität in Heidelberg. Ihr Interesse gilt der menschlichen Natur. Aus ihrer ursprünglichen Beschäftigung mit der Darstellung des Menschen erwächst die Auseinandersetzung mit dem Spannungsfeld zwischen Mensch und Raum. Dabei bezieht die künstlerische Perspektive sowohl den gesellschaftlichen als auch den metaphorischen Raum ein, der sich durch Bewegung und Dynamik ebenso wie durch Kraftfelder und Energielinien auszeichnet.

Metall wird in den Arbeiten von Stefanie Welk zu einem licht- und luftdurchlässigen Medium für geistige Strömungen, von denen ihre Figuren durchdrungen sind. Durch ihren filigranen Charakter erscheinen viele der Plastiken wie dreidimensionale Zeichnungen, die sowohl ihr eigenes Volumen als auch das sie umgebende Feld beschreiben und sich mit ihm verbinden.



Since 1992, as a freelance artist, Stefanie Welk has primarily been working with the materials steel and wire, which she transforms into a plastic shape by bending, knotting, and welding. She lives and works in Heidelberg. From 1992 to 1999, she studied psychology at the University of Heidelberg. Her vested interest was in the human nature. From her causal study of the representation of people, she expanded her work by dealing with the interaction between humans and space. The artistic perspective considers both the social as well as the metaphorical space that is characterised by movement and dynamics as much as it is by force fields and power lines.

In Stefanie Welk’s works, metal becomes a light and air-permeable medium for spiritual currents that permeate her figures. Due to their delicate nature, many of the sculptures also appeared as drawings in the space that describe both their own volume as well as the surrounding field they connect with.