Döbele Kunst Mannheim

Max Uhlig gehört zu den großen Bildnismalern unserer Zeit. Anders als andere Meister dieses Genres legt Uhlig keinen Wert auf objektive Ähnlichkeit. Die Umrisslinie wird durch ein Geflecht aus Linien und Konturen ersetzt, die die Fläche als Raum umschließen und Wesen und Charakter im Inneren festschreiben. Uhligs Bildnisse entstehen immer vor dem Modell. Mit der Dynamik seiner Linien, die die Bewegung seines ganzen Körpers einschließen, findet er zu einer eindringlichen Bildsprache, die zum Kern des Modells dringt und diesen auf der Leinwand oder dem Papier verewig. Das auf der art Karlsruhe präsentierte Werk zeigt eine sitzende junge Frau mit verschränkter Bein- und Armhaltung. Trotz der Reduzierung bildnerischer Mittel auf die Linie und die Farbe schwarz ist das Bildnis von besonderer Tiefe und Intensität.

Aus dem Wunsch heraus, mit unkonventionellen Mitteln die Kunst zu erneuern, gründen Otto Piene und Heinz Mack in den 1950er Jahren die Künstlergruppe ZERO. Bald findet Piene mit den Feuer- und Rauchbildern zu einem ganz eigenen Gestaltungsmittel, in dem Absicht, Wollen und Zufall eine Synthese eingehen. Das auf der art Karlsruhe präsentierte Werk „Kochen mit Feuer“ fängt die flüchtige Schönheit und Dynamik des Feuers ein. Die Feuerbilder reflektieren nicht nur Pienes experimentellen Ansatz, sondern auch die Verbindung zwischen Kunst, Natur und Prozess.

Ida Kerkovius gehört zu den Pionierinnen der abstrakten Kunst in Deutschland und ist eine der wichtigen Persönlichkeiten der klassischen Moderne. Durch ihren ausgeprägten Sinn für Farben, wurzelnd in der baltischen Heimat, findet sie früh zur Farbenlehre Adolf Hölzels und Aufnahme in den Stuttgarter Hölzel-Kreis. 1944 zerstörten Bomben ihr Stuttgarter Atelier. Das auf der art Karlsruhe präsentierte Blumenstillleben von 1946 ist eine besondere Rarität.

Herta Günther beobachtete die Menschen sehr genau. Oft besuchte sie Kneipen und Cafés. Sie schöpfte aus dem Alltäglichen, stellte Straßen- und Interieur-Szenen dar. Meist stand eine Frau im Mittelpunkt. Man glaubt die Dargestellten zu kennen, fühlt sich ihnen verbunden, ihre Blicke verraten dennoch nicht alles, etwas Rätselhaftes umgibt sie. Ihre Bildwelten wahren Distanz ohne Brüskierung und locken mit Charme und meist herber Eleganz. Diese Polarität gibt ihren Kunstwerken jene Unverwechselbarkeit, mit leichter Geste eine Distanz aus Achtung und Selbstachtung auszudrücken.

Schon zu Lebzeiten wurde Ernst Wilhelm Nay mit Preisen für sein Schaffen bedacht und noch heute gilt er als einer der wichtigsten deutschen Künstler der Moderne. Seine von ihm selbst schon im Entstehen betitelten und geordneten Werkphasen lassen seine Entwicklung von einem zunächst figürlichen, expressionistischen und noch von seinem Lehrer Karl Hofer geprägten Frühwerk hin zu einem nach dem zweiten Weltkrieg allmählich abstrakten Schaffen, das sich mit der Wirkung von Form und Farbe auf der Leinwand beschäftigt, nachvollziehen. Nay verfasste kunsttheoretische Schriften, nahm mehrmals an der documenta in Kassel teil und war Mitglied im Deutschen Künstlerbund.

Martina Geist, 1961 in Stuttgart geboren, studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste und der Universität Stuttgart sowie an der Universität für angewandte Kunst Wien. Seit dieser Zeit setzt sie sich mit dem Medium der Zeichnung und des Holzschnitts schwerpunktmäßig auseinander. Die Holztafeln, von denen es in der Regel nur einen Druck gibt, behaupten ihre Eigenständigkeit als farbig gefasste Reliefs. Im Jahr 2016 gestaltete Martina Geist das 20. Künstlerfahnenfestival Eppingen. Seitdem setzt sie sich mit textilen Materialien auseinander. Ihre künstlerische Arbeit wurde durch zahlreiche Preise und Stipendien gewürdigt. So erhielt Martina Geist 1987 ein Stipendium des DAAD für Wien, 1992 ein Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg und 1995 ein Stipendium für die Cité Internationale des Arts Paris. Sie erhielt 1989 den ersten Preis im Wettbewerb „Linolschnitt heute“, der Stadt Bietigheim-Bissingen. Arbeitsaufenthalte führten Martina Geist in jüngster Zeit u.a. in die Stiftung Kartause Ittingen, in die Stiftung Bartels Fondation, Basel und in die Casa Zia Lina, Elba.

Ihre Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und befinden sich in vielen Sammlungen. Zu den öffentlichen Sammlungen gehören u.a.: Städtische Galerie Villa Zanders Bergisch-Gladbach, Hessisches Landesmuseum Kunsthalle Darmstadt, Sammlung Doris Nöth der Städtischen Galerie Ehingen, Kunsthalle Göppingen, Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern, Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) Karlsruhe, Museum Morsbroich Leverkusen, Städtische Galerie Ostfildern, Staatsgalerie Stuttgart. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Stuttgart.

Die Malerin Annette Schröter (*1956) hat sich bewusst dafür entschieden, traditionelle Maltechniken (sie studierte von 1977 - 1982 bei Bernhard Heisig an der HfBK in Leipzig und arbeitete bis 2001 in dieser Technik) zugunsten einer scheinbar einfacheren Methode, dem Papierschnitt, aufzugeben. Diese Entscheidung wurde von der Herausforderung angetrieben, mit reduzierten Mitteln den komplexen Effekt opulenter Malerei zu erreichen. Ihre einzigartige Fähigkeit, den Papierschnitt auf innovative und perfekte Weise zu nutzen, hebt sie von anderen Künstlern ab.