von Fraunberg art gallery

Die Künstlerin Mahssa Askari wurde 1980 in Khoramshahr im Iran geboren.
Als Studentin von Prof. Herbert Brandl bringt sie die unterschiedlich erlebten Kulturen und die damit verbundenen Empfindungen in ihren Bildern zum Ausdruck.

Für die Künstlerin sind ihre Bilder ein Spiegel des Lebens.
„Das Leben ist beides, bunt und grau“, dieses versucht die Künstlerin Mahssa Askari genau, in ihren Motiven wiederzugeben.
Farbe ist das klassische Element der Gestaltung in der Malerei, welches die Künstlerin gezielt nutzt, um die Farbe in verschiedenen Mischtechniken zu verwenden und die Stimmung ihrer Bilder dadurch deutlich zu verstärken.
Mahssa Askari geht es darum, die Fläche, das Lichtspiel der Farben im Bild, Erinnerung und Fantasie zu einer Einheit verschmelzen zu lassen. Es handelt sich um Wunsch- oder Phantasielandschaften, die Fenster öffnen, die uns Atmosphäre, Wärme und Licht spüren lassen und in uns Fernweh auslösen. Die Orte der Bilder sind nur angedeutet, nicht klar definiert. Mahssa Askari stellt in nebulöser Unschärfe dem Betrachter Sehnsuchtsorte zur Disposition, so dass erzählerische Arbeiten entstehen, die den Betrachter in die Welt der Künstlerin entführen, aber alles offenlassen.

Die von Mahssa Askari ausgewählten Motive entstehen in der Regel durch kleine Collagen oder durch Vorstudien. Speziell bei ihren Bildern im Großformat, liebt die Künstlerin es, sich vorher im Kleinen auf ihre großen Gemälde vorzubereiten.

Nozomi Hasegawa wurde 1987 in Niigata, Japan, geboren. Zunächst absolvierte sie ihren Bachelor in Geisteswissenschaften und anschließend einen Master in Wirtschaftswissenschaften an der Universität Tokio.
Ein Stipendium im Ausland führte sie nach Deutschland, wo sie an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig bildende Kunst studierte und als Meisterschülerin von Professor Wolfgang Ellenrieder abschloss.

In ihren Ölgemälden thematisiert Nozomi Hasegawa die Gleichgültigkeit von Menschen gegenüber alltäglichen Dingen, die im modernen Stadtleben häufig ein Schattendasein fristen.
An die Peripherie des Lebens gedrängt schenken die Menschen ihnen wenig Beachtung, wodurch die Wahrnehmung und das Verständnis für diese Elemente sehr vage und unvollständig sein können. Die Künstlerin betrachtet es als sinnvoll, die Beziehung der Menschen zu solchen Dingen in ihren Werken zu visualisieren.
Dabei verwendet sie insbesondere in ihren Gemälden Motive wie Blumen, Gras, Bäume und Landschaften, die sie bewusst fragmentiert.
Die aktuelle Werkreihe besteht aus ikonischen Werken zu diesem Thema.

Das Werk von Frank Kenis dreht sich um die zerbrechliche Stärke von Personen. Die Figuren, die er darstellt, sind immer verfeinert und haben eine mystische Anziehungskraft, die oft durch die Umgebung, in der sie gemalt werden, oder durch die Attribute, die der Künstler ihnen gibt, verstärkt wird. Die dunklen Farben schaffen Tiefe in der Leinwand, sie kontrastiert gut mit den hellen Tönen der zerbrechlichen Haut der Figuren. Diese Zerbrechlichkeit macht diese Bilder sehr intim. Als Zuschauer sind wir eingeladen, über die Emotion hinter dem Porträt nachzudenken und so mit unseren eigenen Gefühlen konfrontiert zu werden. Letzteres braucht Mut vom Zuschauer. Das ist aber die Absicht des Künstlers. Er will uns durch seine Bilder ermutigen, tiefer in uns selbst zu gehen und nach dem zu suchen, was in uns selbst verborgen ist.

Frank Kenis (BE), Lives and works in Wuustwezel (Antwerp), Belgium
Education
1991-1995. Master degree, Sint Lucas, National High School of Visual Arts, Antwerp, Belgium

Seit seinem Studium der Bildenden Kunst gelingt es Maxim Wakultschik, sein Bild mithilfe unterschiedlicher Materialien und selbst entwickelter Fertigungstechniken objekthaft umzusetzen. Maxim Wakultschik’s Kunst besteht aus mathematisch präzisen und akkurat konstruierten Werken, in denen aus unabhängigen Einzelteilen eine formale Ordnung entsteht. In seinen komplexen und vielschichtigen Arbeiten erforscht er das Zusammenspiel von Licht und Schatten, Oberflächenstruktur und Farbvibration. Im Fokus steht dabei stets der Effekt, der durch die Reflexion des Umgebungslichts entsteht und zu oszillierenden Variationen der Realität führt, die uns immer wieder zu einer proaktiven Auseinandersetzung mit den Werken herausfordern. In der Begegnung mit einem Kunstwerk von Maxim Wakultschik führt die kleinste Bewegung, der geringste Perspektivwechsel zu verblüffend neuen Eindrücken. Dadurch wirken die Werke wie kinetische Objekte – die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt. Wir werden ständig dazu angeregt, die Grenzen unserer Wahrnehmung zu überwinden.

Bruno Kurz (* 1957) gelingt es, das klassische Leinwandwandbild in einen vor der Wand schwebenden Farbraum zu verwandeln. Die durch hochglänzende Harzschichten und metallische Oberflächen verursachten Lichtreflexe sowie Spiegelungen überlagern die Atmosphäre der Arbeiten.

Ausgehend vom klassischen Kompositionsaufbau der Landschaft entwickelt Bruno Kurz feinnuancierte, gegenstandsfreie Farblandschaften von unglaublicher Leuchtkraft und Tiefenwirkung. Durch Schichtungen sowie die Kombination ungewöhnlicher Materialien – Gaze, Metallflächen, Hochglanz- und Harzschichten – erzielt der Künstler verblüffende optische Eindrücke. Stichworte wie Transparenz, Leichtigkeit oder Auflösung umschreiben die Wirkung am besten.

Bruno Kurz lebt und arbeitet in Karlsruhe und Indien. Er ist auf Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien in Deutschland, Kanada und der Schweiz zu sehen und hat One-Artist-Shows auf internationalen Kunst-Messen.

1957 in Langenargen am Bodensee geboren.
1980/81, Studium an der Freien Kunstschule Stuttgart
1981-86 Studium an der Staatlichen Akademie der bildenden Künste Karlsruhe
1986/87 Studium an der Staatlichen Akademie der bildenden Künste Stuttgart

Roberto Bernardi wurde am 18. Mai 1974 in Todi (Italien) geboren.

Seine fotorealistischen Techniken beherrschen Licht und Reflexion und fangen auf exquisite Weise die Lebendigkeit von Süßigkeiten ein und erschaffen einen Tanz aus Farbe und Transparenz. Bernardis Kunst lockt den Betrachter zu einer ruhigen Betrachtung der alltäglichen, aber dennoch übersehenen Aspekte des täglichen Lebens.

Im letzten Jahrzehnt haben sich Bernardis Werke weiterentwickelt, seine hyperrealen Kompositionen und Skulpturen werden zunehmend von der Pop-Art-Bewegung beeinflusst.
Seine Bilder und Skulpturen, die vor allem Bonbons, Lutscher und andere Süßigkeiten ins Zentrum stellen, sind farbintensive Arbeiten, die durch ihre Präzision begeistern.